Cine

Pedro Almodóvar Caballero.

Pedro  Almodóvar de oficio Narrador.

Su cine:

Ya desde niño cuando cogido de la mano de sus hermanas iba al cine de su ciudad natal, (Calzada de Calatrava, Ciudad Real, 25 de septiembre de 1949), desarrollo el interés por el cine, pero según cuentan sus buenas vecinas, ya era gustoso de contar las películas que el día o la semana anterior había visto en el cine, poniendo su  propia creatividad en la descripción de lo visto.

Cuando llega a Madrid con tan solo 17 años su interés por el cine fue aumentando y tomando forma. El final de la dictadura franquista y la movida madrileña que paso por ella como un autentico provocador extravagante que era lo que él quería, desde su niñez.

“Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón”,” Laberinto de pasiones “y “Entre tinieblas”, con un estilo propio y  característico. Con un  lenguaje vulgar, lleno de  humor y surrealismo, establece lo desenfadado y le da un toque de “España cañí” en muchos de sus obras. Aquí se recogen algunos rasgos de su tan original cinematografía llena de irracionalidad.

Las protagonistas por adoración, Las Mujeres. Todas, guapas, feas, fuertes o débiles, las famosas “chicas Almodóvar”. Los hombre son siempre el centro de sus problemas, no se sienten suficientemente queridas a veces se ven ridículas, abandonadas o despreciadas. A pesar de ello, Almodóvar acude a personajes femeninos valientes, algo neuróticas, pero valientes, en definitiva. Sólo una película, “La mala educación”, está casi exclusivamente interpretada por hombres. Sus personajes son buscadores envueltos en violentas pasiones que desean a toda costa ser otros, ya sea mediante el transformismo, cambiando de status o escapando de un peligro. Todos se encuentran en búsqueda de algo.

26.02.2016_ Madrid. Hotel Palace. El director de cine Pedro Almodóvar fotografiado por José Aymá para la serie “Un disparo en 4X5 Pulgadas´´ de Crónica.////// NO PUBLICAR SIN CONSULTAR CON FOTOGRAFIA//////. José Aymá

La sexualidad aparece de forma explícita en todos los títulos de Pedro, de una manera u otra. En los primeros, tiene una clara intención de escandalizar a su público y romper con los tabúes de los años anteriores a la Movida madrileña (como en Pepi, Luci, Bom y su icónica escena de la lluvia dorada o enLaberinto de Pasionesy la adicción al sexo de la mayoría de sus personajes). Más adelante, se percibe de manera más sofisticada en sus historias y se tratan diversos aspectos como los celos, los deseos prohibidos, las perversiones o el sexo y la prostitución. En este último aspecto cabe destacar que las prostitutas de las tramas de Almodóvar suelen ser mujeres felices y que no esconden su profesión, como la famosa Agrado de “Todo sobre mi madre.” Dentro de la sexualidad, la homosexualidad y la transexualidad cobran una gran importancia en el cine almodovareño y ayudan a su normalización en la sociedad.

La homosexualidad y el transformismo ocupan gran parte de las películas del cineasta. Jugar con esa ambigüedad nos permite ver hombres viriles a la vez que femeninos como “Marco” (Darío Grandinetti) en “Hable con ella” o el “juez Domínguez” (Miguel Bosé) en Tacones lejanos.

La droga es un elemento muy presente en películas como “¡Átame!”, “Entre tinieblas” o “Matador”. También los personajes drogadictos y los traficantes tienen su papel en las historias del director. Drogas como la cocaína, el cannabis, la heroína y otros fármacos (legales) son recursos de la trama. Un ejemplo “Mujeres al borde de un ataque de nervios” donde utilizan Orfidal mezclado con gazpacho como somnífero.

La figura de “la madre”. Importantísima y decisiva en las películas de Almodóvar, tanto si se nos presenta como mala madre (“Tacones lejanos”) o como una madre amorosa (“Volver” y “Todo sobre mi madre”). Y es que la propia madre de Pedro Almodóvar, “Francisca Caballero”, aparece en cuatro de sus películas: en “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, “Mujeres al borde de un ataque de nervios”,” ¡Átame!” y “Kika”.

Los temas que trata en sus películas la realidad española, la violación, la homosexualidad, el amor, el sexo o la pornografía. Almodóvar introduce al espectador en un ambiente puramente madrileño, donde todo es posible y el amor y la locura van de la mano. Un amor que hace daño, frustrado o desdichado, ligado casi siempre con el sexo. Un amor del que son víctimas las mujeres, que sufren y padecen, y que entrama celos y ajustes de cuentas. Además se apuesta por un “No” a la familia tradicional. Además de la destrucción de la estructura básica de la familia convencional, se nos presenta una sociedad occidental en la que todas las puertas están abiertas y todos los modelos son posibles.

La religión en una España tradicionalmente católica, casi parece natural que la religión impregne la cotidianeidad del país sin darnos apenas cuenta. Y esto es lo que sucede en el cine de Almodóvar, en el que el tema subyace en gran parte de las películas, incluso en aquellas en las que no es el argumento principal. No es difícil encontrarnos entonces con personajes frustrados por una educación ultra católica (como Ángel, el personaje que encarna Antonio Banderas en ·Matador”) o con iconografía religiosa en los hogares de películas como ¿Qué he hecho yo para merecer esto? donde la abuela, ·Chus Lampreave”, representa además la superstición en los rezos que realiza contra las tormentas.

Pero es en películas comoLa mala educación”, “La ley del deseo” donde más duramente juzga el realizador a la religión, contando historias de abusos durante la infancia de sus protagonistas. En el primer caso, es el tema principal sobre el que gira toda la trama mientras que en el segundo se representa mediante la historia personal de Tina (Carmen Maura), incluida de nuevo como una trama secundaria que se deja entrever de forma no explícita pero que tiene una gran influencia en la construcción de la personalidad del personaje que la sufre.

La estética de sus películas se basa en abusar de los colores ácidos y los colores primarios (verde, azul y rojo).  Respecto a la utilización de este último color, el director afirma: “El rojo está siempre presente en mis películas. El rojo en la cultura china, es el color de los condenados a muerte. Esto lo convierte en un color específicamente humano, ya que todos los seres humanos están condenados a morir. Pero el rojo es también, en la cultura española, el color de la pasión, de la sangre, del fuego”. Muy pronto se vio influido por la cultura pop y afirma tener una relación inconsciente con los colores del Caribe, intentando siempre luchar contra el negro. Además, en las obras de Almodóvar no veremos muchas referencias arquitectónicas de Madrid ya que se encuentra más cómodo rodando en estudios. El director es, por lo tanto, fan incondicional de los decorados. En sus inicios, incluso, los pintaba él mismo. Esta estética barroca, este estilo kitsch (barroco moderno y casi de mal gusto) propio hace a muchas de sus películas inconfundibles y las convierte en modelo de arte e imitación. Un ejemplo muy bueno de su estética son los potentes azules que utiliza en “¡Átame!” El color inunda, todo sin dejar indiferente hasta a los títulos de crédito.

Es el género por excelencia junto al culebrón es el melodramático. Estos dos son la base de la pirámide de todas sus películas aunque a veces introduce algo de gore (“La piel que habito”) o del género neorrealista (“¿Qué he hecho yo para merecer esto?”). Suele completar sus obras colocando en ellas referencias a la fotonovela, la prensa del corazón o la televisión (a las que critica pero igualmente saca algo interesante).

La muerte es el principio el final. En muchas ocasiones el sexo se involucra con la muerte, como es el caso de “Matador, el amor lleva a los seres a enloquecer y a morir o, en la mayoría de las ocasiones, a matar. En las películas de Almodóvar hasta el objeto más inverosímil puede ser una buena arma.” En Hable con ella”, es una horquilla de moño; una pata de jamón en “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”

El teléfono. Tiene una presencia constante y se convierte en un elemento de relevancia en la historia. En películas como “La flor de mi secreto”, “Mujeres al borde de un ataque de nervios”, o “¡Átame!” aparece este instrumento que en vez de comunicar, en la mayoría de casos, hace lo contrario, hace que esa comunicación sea un fracaso. según; Nuria Vidal: “La llamada resulta siempre fundamental para la historia”.

¿Madrid o la vuelta al pueblo? Lo castizo se entremezcla con lo moderno (lo kitsch). El director elige la capital para rodar buena parte de sus films y explica: “Siempre he encontrado en esta ciudad el paisaje perfecto con la fauna adecuada (insolente e ideal) para cada una de mis películas”. Pero, a la vez, muchas veces plantea una vuelta al pueblo, a lo rural, a los orígenes como ocurre en Volver y ¡Átame!

Tangos y boleros. Uno de los rasgos más reveladores de las películas de Pedro Almodóvar es su música. Amante de los tangos, los boleros y las coplas antiguas, las adapta y actualiza para sus largometrajes. Son canciones que hablan de sus personajes, que transmiten la tristeza de sus melodramas. Canciones tales como “Espérame en el cielo”, “corazón” (Mina, “Matador”) o “Piensa en mí” (Luz Casal, “Tacones lejanos”).

“Lo perfecto admite poca corrección”:

Extractados corregido y adaptados de las revista culturamas.es y noktonmagazine.com

Cine, Publicidad, Teatro, Televisión

El erotismo en el espectáculo.

Definición

Los griegos utilizaban la palabra érōs para referirse a la pasión aplicada al amor y al deseo de tipo sensual. Ese sentimiento también se representó a través del dios Eros. En la lengua española, el término erotismo connota y denota lo relacionado con la sexualidad, tanto en relación al mero acto sexual de desarrollo carnal como a sus proyecciones.

Hoy día al hablar de erotismo lo estamos identificando con lo que es el deseo sexual y sensual mientras que el amor se considera a aquel que tiene que ver con los sentimientos, con lo profundo del alma, lo que va más allá del mero aspecto físico.

Aunque parezca extraño, el erotismo siempre está presente incluso en la religión y en los sistemas de creencias. En el catolicismo, los textos místicos de San Juan de la Cruz incluyen una retórica que rebalsa de erotismo atribuido a la deidad. En otras religiones, por otra parte, existía una costumbre que bien podría definirse como una prostitución de índole sagrada que se extendió hasta la Grecia clásica. Tampoco puede dejar de mencionarse al popular libro del Kama Sutra, una sublimación a la sexualidad perteneciente al hinduismo.

En la literatura actual, uno de sus principales exponentes es el Marqués de Sade, quien supo ser condenado por desarrollar en público actos de libertinaje y por complementar sus intereses sexuales con reacciones violentas.

Porque en el cine

El cine es  espectáculo y el espectáculo requiere de las escenas íntimas que atraigan el morbo, la curiosidad, por eso  siempre han estado en las películas, provocando morbo, interés, curiosidad, escándalo, polémica…  Se ha insinuado sin mostrar porque siempre se ha pensado que es más elegante despertar la imaginación del espectador que mostrar y desencantar, porque el objetivo del erotismo es mantenerte entretenido haciéndote desear lo que no puedes observar, esto es un fuerte imán que todos los Productores, guionistas y directores de cine lo saben y lo utilizan muy bien para sus fines.

El cine erótico o con escenas que lo contienen ha estado y está de moda, y es actualmente continua con mas “voltaje”, el cine erótico se ha hecho más alto y provocativo. Los directores disfrutan provocando porque saben que esto les trae polémica y esta lleva espectadores a sus salas.  Bajo la premisa de “lo exige el  guion” cosa que en muchos casos se podría omitir u obviar,  se presenta el erotismo como una necesidad para que los actores muestren sus “partes reservadas” ante una multitud de técnicos, se caen focos , la gente tropieza…son las anécdotas que cualquier director que haya tenido que rodar escenas eróticas te contará. Muchos grandes actores se niegan a rodar escenas eróticas  subidas de tono por ello se recurre a; Filmar a los dobles de cuerpo, quienes realmente hacen la escena de  sexo, y después a los actores pretendiendo tenerlo.  En la postproducción se mezclan digitalmente las dos tomas, y así todos contentos.  Aunque no siempre sucede así ; fue 9 Songs, en 2004, del director británico Michael Winterbottom. Sus actores principales, Kieran O’Brien y Margo Stilley, tuvieron sexo no simulado durante las numerosas secuencias eróticas que incluye la trama. Pero esta no es la única vez que ocurre algo así: en 1999, Tom Cruise y Nicole Kidman, quienes estaban casados, también tuvieron intimidad ¡de verdad! al filmar Eyes Wide Shut, con el director Stanley Kubrick.

El sexo continúa y continuara siendo una de las obsesiones del ser humano… y por eso es un tema que aparece tanto en la literatura en el teatro, en el cine y en la televisión.

 

 

Blog, Teatro

El último Templario de Jerez, obra de teatro

“El último Templario de Xerez”

Teatro El Conventual San Benito de Alcántara (Cáceres)

Sobre un escenario natural, a espaldas de la fachada conventual de Alcántara, desarrollan esta obra, que  narra la historia de la toma de la ciudad  de “Jerez de los Caballeros” por la Orden del Temple, donde estuvieron asentados durante un siglo estos monjes caballeros, dedicados a proteger las rutas hacia Santiago de Compostela.  Se describe su apogeo y decadencia debido a los celos avariciosos que provocaban entra la nobleza y el clero las enormes posesiones y riquezas que atesoraban estos caballeros, se narra su derrota frente al clero y a las tropas de Alfonso XI de León; es entonces la lucha por el poder entre la iglesia, los nobles y los templarios.

La Historia

Como columna vertebrar, una historia de amor truncada entre la bella María y Mateo, adoptado y  educado desde niño para ingresar en la Orden un amor entre jóvenes y el deseo del Gran Maestre para que sea su sucesor que le harán tomar una dolorosa decisión para su corazón, ser maestre de la misma, se verá obligado a renunciar a su amada, esto le hará mantener una lucha interna entre sus sentimientos y las normas de la Orden, las cuales prescriben el celibato y el voto de castidad como pautas de conducta obligada.  De esta manera la ficción y la realidad irán enlazando el tapiz de la historia de esta obra de dos horas y cuarenta minutos de duración.

La magia del lugar donde se realiza la obra, la El Conventual San Benito de Alcántara (Cáceres), la ambientación, la escenografía, un excelente vestuario y la ilusión que ponen todos los Jerezanos que protagonizan esta obra, hacen todo lo demás.

La hacen:

Dirigida por Pablo Pérez de Lazarraga, escrita por Nuria Pérez Mezquita, y el jerezano José Márquez Franco y Pedro A.  Penco Martín junto al asesoramiento histórico del cronista oficial de la ciudad Feliciano Corea Gamero. Con la participación de unos ochenta vecinos de la localidad de Jerez de los Caballeros.

https://youtu.be/fmgl1CW97kw

 

En resumen:

Una obra de aficionados que con toda la ilusión, interés y buenas ganas la deja en un espectáculo muy digno de ver a la altura de grandes producciones de teatro profesional. Un vestuario realista, como si lo hubiese hecho el mismísimo “Paco Delgado”, una puesta en escena difícil de hacer en un teatro comercial por la conjunción de todos los actores que intervienen en la obra (unos ochenta y que en ciertas momentos de la representación están mas de la mitad en las tablas) , y unas interpretaciones que en su mayoría eran suficientes y meritorias, pues cuando alguien hace un trabajo con todo su mejor empeño u buen hacer, el resultado siempre ha de ser buenos, lo único indigno fue la temperatura que tuvimos que soportar que era más propia de un mes de octubre que uno de Agosto.

 

Actores, Cine, Teatro, Televisión

Encarna Paso, Actriz.

María Encarnación Paso Ramos nació en 1931 en el seno de una de las familias teatrales más importantes de España. Su abuelo Antonio Paso fue dramaturgo y libretista. Su padre, también Antonio, fue empresario teatral y guionista. Su tío Enrique fue autor y su otro tío Alfonso cosechó grandes éxitos en los setenta y fue Premio Nacional de Teatro.

Su carrera se extendió 57 años en el teatro, el cine y la televisión

Madrileña de nacimiento forma parte de una saga teatral en la que destacan los dramaturgos Antonio Paso (su abuelo) y Alfonso Paso (su tío).   Hija, nieta, hermana, sobrina y madre de gente del teatro, Con esta sangre su formación fue a base de trabajo y más trabajo en las tablas de todos los teatros peninsulares.  Debutó con un pequeño papel en la película Botón de ancla (1948).  Actriz de presencia tan constante y eficiente como discreta, de mirada serena firme y limpia.

Se despidió de los escenarios a lo grande, en el teatro romano de Mérida junto a Héctor Alterio en la obra Yo, Claudio, interpretando a Livia.

Encarna tras un retiro de una década para disfrutar de su vejez y de su intensa labor interpretativa, muere a los 88 años de edad.

En la constelación de las estrellas de todos los tiempos del cine y del teatro español esta Encarna Paso.

https://es.wikipedia.org/wiki/Encarna_Paso

 

Cine, Publicidad, Televisión

Aprende a escribir un guión para Corto (Completo)

Escribir un guión para Cortometraje, aprende escribiendo.

Premisas

Escribir es un acto reflexivo no impulsivo que trasmite ideas de forma más o menos ordenadas.

Si estas leyendo esto es porque te has planeado escribir un corto, para empezar poco a poco, ¿verdad?.  Antes de empezar quiero que te plantees unas cuestiones y tú mismo sigas.

Primero.  Si te entregan diez folios en blanco y te dicen que escribas algo en ellos ¿qué te ocurre?.

Segundo.  Si te entregan veinte folios en blanco y te dicen que escribas lo que tú quieras en ellos ; ¿qué haces?.

Tercero.  Si te dan treinta folios en blanco y te piden que cuentes una historia en ellos , que te pasa por la cabeza?.

Si quieres ser un guionista, o te sientes uno, no tienes que tener miedo a los folios en blanco, porque a ti con la imaginación que se sobreentiende que tienes la sensación que debes tener es la de que te van a faltar folios para escribir. Treinta folios es más o menos lo que tiene un  corto, al menos es lo que te van a exigir que lo tengas cuando lo quieras vender.

La idea

Tener una idea que te ha surgido de una historia que has conocido, te han contado, de un chiste, de una vivencia, de una película que has visto, noticias recientes o pasadas, un libro, o tu propia imaginación que no dejan de fluirte ideas.

Escribir la idea:

Ponla en los folios en blanco, uno o dos a lo sumo, escribe un cuento narrando la idea y de qué va, los personajes que intervienen, déjala reposar, horas, días, semanas o incluso meses, piensa sobre ella y vuelve a ver si lo que has escrito te convence, da igual, tu escribe, lo primero que se escribe es lo que de verdad vale, es lo que quieres expresar y contar, luego posteriormente la pondremos en orden y la escribiremos para los demás.

Poner orden a la idea inicial:

Insisto que lo primero que has escrito, es la semilla, lo que vale para empezar.  Ahora lo que hay que hacer es ordenar todo ese volcán que has derramado en ese o esos folios.

¿Cómo?

Aquí viene el momento reflexivo del acto de escribir, y para reflexionar lo mejor es hacerse preguntas a si mismo sobre el cuento que ya tienes y darte contestación.

A.- ¿Quién o quiénes son  los protagonistas?.

B.- ¿Qué problemas tiene o tienen los personajes? (El conflicto  o confrontación que hablaremos de él más adelante).

C.-  Darle solución a estos problemas, ¿Cómo y de qué manera?

D.-  ¿Cómo finalizar la historia?,  Si has empezado tienes que tener un fin, tan importante  es este fin, que muchas personas recuerdan solo como termina una película, si se ha hecho bien.

Una vez tenemos la idea y hemos escrito todo lo que queremos, nos hemos explayado y hemos puesto todo lo que nuestra imaginación e historia sucede, viene el paso inverso, el resumen o lo que muchos llaman un “logline”;  Un logline es un texto muy breve en el que se resume el contenido de un guion, es un resumen en dos o cuatro líneas máximo y en él se explica de que va tu historia, de que trata tu corto.  A ti te va a servir para  fijar y  verla y validar la historia que vas a contar antes de ponerte a modelarla y trabajar en ella,  imaginemos que es un esquema narrado de tu historia.

Premisas que tiene que tener tu resumen:

-Personajes principales;   Especialmente el protagonista o protagonistas (es un corto mientras menos protagonistas y en general personajes mejor).

-Conflicto;  O choque.

Con un ejemplo se entiende mejor:

Un niño quiere una bicicleta pero sus padres no se la pueden comprar, el conflicto es el deseo del niño que no se puede hacer realidad por la  falta de recursos económicos de los progenitores.

El conflicto no tiene por qué ser físico o violento; puede ser también el choque de deseos y aspiraciones de los personajes de la película. Puede haber un conflicto o varios entrelazados o independientes, en un corto lo mejor es que haya uno solo.

Consejo; en un corto aplicar siempre la regla del menos es mas.

En un resumen o logline no se tiene que poner el desenlace, el final de la historia, salvo que de esta manera se entienda toda la historia, lo mejor es que no. ¿Por qué?  porque estas resumiendo tu película o corto y porque cuando la demos forma el final puede variar, y porque cuando la trates de vender va a ser lo primero que miren y te lean (pero esto más adelante).

Anticipándome aunque para empezar no es necesario, si el resumen o logline lo vamos a enseñar a un profesional debe de contener los siguientes requisitos para que las formas sean las convencionales.

-Escribirlo en dos tres o máximo cuatro líneas

-Escrito en tercera persona, (él, ella, y en plural como: ellos, ellas) y los verbos en presente, (Los verbos en presente son aquellos que se utilizan para expresar la acción que se realiza en el momento actual, “Rosa lava el coche”).

-1º Información del conflicto; 2º Quien es el protagonista, 3º Que necesita hacer para conseguir su objetivo y que se le opone para realizarlo (no poner la resolución  o solución del conflicto)

-2º El donde y él cuando trascurre la acción.

-3º Dejar muy claro a que genero pertenece el guión. (Por su estilo o tono: drama, comedia, acción, aventura, terror, ciencia ficción, western, romántico , musical ,melodrama ,suspense , catástrofe…  Por su ambientación o tema: histórico, policiaco, bélico, ciencia ficción, fantasía ).

-4º Dar información de forma sencilla y no dar detalle de los protagonistas, en la manera de lo posible, (esto es un resumen,  insisto).

-5º Ningún concepto narrativo o cinematográfico, (clímax, conflicto, plano montaje…).

Generos Cinematográficos

Desarrollar la Idea.

Una vez que tenemos el resumen de la historia o el cuento que hemos imaginado, nos toca  darle forma, darle estructura, lo que  se llama desarrollo.

Desde el teatro griego toda historia ha tenido tres partes, que son; Planteamiento, nudo y desenlace.

1.-Planteamiento. Recordad que estamos escribiendo un corto, no hay tiempo de presentar los personajes, tenemos que sintetizar todo, lo más que podamos, siempre que se entienda.

Volviendo al ejemplo del niño que quiere una bicicleta y sus padres no se la pueden comprar…

Mostrar como el niño pide a sus padres una bicicleta que ha visto en el escaparate y como mira con admiración a unos niños que pasan con la suya puede ser el Planteamiento de nuestra historia y el arranque de nuestro corto.

2.-Nudo, Peripecia, Conflicto. Me gusta poner estas palabras para aclarar en qué consiste esta parte del desarrollo de la idea.

Aquí describimos  lo que acontece hasta el desenlace de la historia, hasta el final.

En el ejemplo del niño deseoso de tener una bicicleta como los demás vecinos…

Ponemos y describimos lo que el niño hace para conseguir tener una bicicleta, como se las ingenia, si alguien le ayuda, si tiene suerte y alguien se la regala…es nuestra historia y nuestra imaginación.

3.-Desenlace.  Es el final de la historia, como termina, y va a depender de nosotros.  Termina teniendo la bicicleta o no, se tiene que conformar con que algún amigo se la deje, o…. Es nuestra historia, nosotros la terminamos como queremos;  final feliz, drama, realismo, trágica.

El formato de guión de cine.

La forma y el orden es esencial a la hora de escribir un guion. Escribimos para que nos entiendan igual que hablamos para expresarnos y que nos comprendan.  Escribir para cine, tiene sus reglas, convencionalismos que han quedado establecidos para que todo el mundo por igual nos entendamos.

Aclaración: Existen dos tipos de guion:

El Guion literario, que es aquel en el que todavía no se dan indicaciones técnicas para la realización de la película. Lo escribe el guionista y es el que nos interesa.

El Guion técnico, En el que sí se dan indicaciones técnicas;  Este lo hace  el director.

A.-Encabezado de la escena

Aquí se da informacion de : donde  trascurre la escena-cuando trascurre la acción que ocurre en la escena,  (es lógica pura y en cuanto lo entendamos lo asumiremos automáticamente).

1º Hay que decir si ocurre en espacio cerrado o abierto; pondremos entonces Interior/Exterior ( en abreviatura Int./Ext.).

2º El lugar concreto en  el que trascurre la acción de nuestra historia. Calle de barrio/Escaparate tienda bicicletas…

3º El momento del día en el que trascurre la acción,  normalmente se emplea Día/Noche. Pero podemos emplear cualquiera que explique el momento concreto en el que trascurre .

Ejemplo:

Ext./ Calle Barrio San Genaro, frente escaparate tienda bicicleta. /Día.

También:

Ext./Día/ Frente escaparate bicicletas barrio San Genaro.

B.- Descripción de la escena.

De forma concisa, escribimos la acción que tiene lugar en la escena que hemos puesto el encabezado.

Requisitos; -En tercera persona.

-Verbos en presente.

-Narración visible y audible.  (Leer en voz alta la narración o haced que la lean otros)

-La primera vez que aparece el nombre de un personaje en el guion lo escribimos en MAYÚSCULA, y a continuación, entre paréntesis ponemos su edad. También en mayúscula ponemos las descripciones de sonido, objetos con relevancia en la narración.

Ejemplo:

Ext./ Calle Barrio San Genaro, frente escaparate tienda bicicleta. /Día.

Frente al escaparate de la tienda de bicicletas. ARTURO,(10) y su Madre NÚRIA,( 35), juntos de la mano Arturo se para y la retiene.  Mira atentamente el escaparate, la madre sonríe nerviosa. Pasan dos niños conduciendo la suya sonando los timbres. RIN RING.

C.- Dialogo.

La palabras que pronuncian los personajes, Cada personaje va con su nombre en mayúscula, si el personaje hace algún gesto movimiento o acción la pondremos entre paréntesis debajo del nombre del personaje.

Ejemplo:

ARTURO

¡Cómpramela, mama cómpramela!

NÚRIA

Ahora no Arturo, ahora no que tengo que hacer la comida…

ARTURO

¿Cuándo, mama cuadro?, ¡siempre estas igual!

NÚRIA

(Tirando de la mano de su hijo suavemente)

¡Pronto, pronto….!

Mas consideraciones adicionales sobre el formato de los guiones de cine:

  • El guion deberá estar escrito con interlineado sencillo y tipografía Courier (o New Courier) de 12 puntos.
  • Las páginas irán numeradas.
  • Todos los textos irán alineados a la izquierda.
  • En cada página se dejará un margen de 2.5 cm arriba y abajo.
  • A izquierda y derecha de los encabezados de escena y de los párrafos de descripción de la acción se dejará un margen de 2.5 cm.
  • A izquierda y derecha de los bloques de diálogo se dejará un margen de 5 cm; de esta manera, el texto del diálogo quedará con una anchura máxima aproximada de 40 caracteres (son todas medidas orientativas, puesto que no hay un estándar universal).
  • A izquierda y derecha de los encabezados de los diálogos se dejará un margen de 10 cm.
  • A izquierda y derecha de las acotaciones de los diálogos se dejará un margen de 7.5 cm.
  • Entre elementos (encabezados de escena, párrafos de descripción de la acción y párrafos de diálogo) se dejará una línea en blanco; entre escenas se dejarán dos.

Se estima que en un guion correctamente formateado y redactado, cada página equivale, aproximadamente, a un minuto de imagen en pantalla.

https://es.wikipedia.org/wiki/Guion_cinematogr%C3%A1fico

 

Esto es todo, si tenéis alguna pregunta o necesitáis ayuda no dudéis en contactar con migo, os asesorare dentro de mi tiempo disponible y en cuanto antes.

Podéis ampliar en la próxima entrada en donde hablo de la creación de personajes

Blog

Campaña de verano 2019 de la Dirección General de Tráfico.

La DGT retoma las duras campañas para sacudir a la sociedad ante el aumento de muertes en carretera

“En un accidente de tráfico lo peor no es la muerte”. Es el lema de la campaña “Vivo o muerto” con la que la Dirección General de Tráfico (DGT) ha retomado las duras campañas de concienciación de los años 90 para “sacudir” a la sociedad y ponerla frente a una terrible realidad: el aumento de las víctimas mortales en carretera en los últimos cuatro años.

Han sido el ministro del Interior, Fernando Grande-Marlaska; el director general de Tráfico, Pere Navarro; y el fiscal coordinador de Seguridad Vial, Bartolomé Vargas, quienes han presentado la campaña, conscientes de que la dureza del mensaje puede generar críticas pero convencidos de que puede contribuir a reducir las negras cifras de la siniestralidad.

“En un accidente de tráfico, ¿quién prefieres ser? ¿quién vive o quién muere?” se puede escuchar en los dos mensajes que no eluden las imágenes más duras de las consecuencias de un accidente de tráfico.

Y para evitar esas consecuencias, el mensaje a los conductores es claro: “Piénsalo dos veces antes de pisar el acelerador, tomarte esa copa o mirar el móvil”.

Campaña que retoma la senda de otras anteriores con imágenes duras que apelan a las emociones sobre las consecuencias de los accidentes de tráfico.

Lacampaña tiene una doble vertiente: la de un conductor que ha causado un siniestro, resulta herido, se recupera tras entrar en el hospital, es juzgado por homicidio imprudente y se queda sin mujer ni trabajo; y la de un conductor muerto que se pierde lo que no ha podido vivir, como que su pareja rehace su vida

Blog, Televisión

Cómo hacer tu propio programa de televisión

Entrar en la industria de la televisión es notoriamente difícil, pero la aparición de la tecnología barata y la distribución por Internet ha hecho que sea más fácil que nunca obtener visitas. A casi cualquiera se le puede prestar atención, pero requiere mucho compromiso y trabajo duro.

Idea una premisa cautivadora o de “¿qué pasaría si…?. Tu idea puede ser tan simple como “qué pasaría si el equipo de un documental filmara a una pequeña empresa de papel” (The Office o La oficina) hasta una idea grande y compleja como “qué pasaría si un profesor de química empezara a preparar metanfetaminas(Breaking Bad). Esta es la columna vertebral de tu programa, lo que lo distinguirá y lo que lo ayudará a venderse.

  • Muchos de los “qué pasaría si…” se generan mezclando y emparejando programas existentes. 30 Rock, por ejemplo, es el mundo del programa de sketches Saturday Night Live mezclado con el humor sobre el lugar de trabajo de programas como The Office o Cheers. El famoso programa dramático The Wire (Los vigilantes) es una mezcla de los programas policiales y los thrillers políticos.
  • Piensa en programas que te gusten y que podrías emular. ¿Cuáles son sus ideas de “qué pasaría si…” simples y de una sola frase?

Elige el género y el formato para tu programa. Esta es una de las decisiones más importantes que tomarás ya que afectará todo lo que venga después. El género es el ambiente y el tono del programa: ¿es una comedia, un programa dramático médica o un programa de telerrealidad? El formato es la forma como se mide el tiempo en el programa, y tienes unas cuantas opciones:

  • Por episodios: cada episodio es una historia independiente. Las comedias generalmente son programas de media hora con un formato por episodios, pero algunos programas policiales y de misterio también tienen este formato.
  • Serial: cada episodio se desarrolla a partir del anterior. Estos programas generalmente cuentan historias que duran toda la temporada, como Breaking Bad o The West Wing (El ala oeste de la Casa Blanca). Casi siempre son programas que duran una hora y generalmente son dramáticos.
  • Sketch: los programas de sketches están compuestos de muchas historias más pequeñas e independientes. Esto es como Saturday Night Live.

Desarrolla a tus personajes. Haz una lista de cada personaje y dale a cada uno una descripción de 2 a 3 oraciones. Evita las descripciones físicas; en cambio, trata de capturar lo que hace que cada personaje sea único:[2]

  • Los personajes buenos tienen defectos y fortalezas. Están bien desarrollados, lo que significa que tienen una personalidad más allá de simplemente “el jardinero enojado” o “la madre amorosa”.
  • ¿Qué es lo que cada personaje quiere? ¿A qué le tiene miedo? Esto impulsa las acciones de cada personaje en el programa.
  • Los programas de telerrealidad de todas formas necesitan describir a los personajes. ¿Qué hace que tus sujetos sean interesantes o cautivadores? ¿Por qué un público querría escuchar sus historias?,

Escribe un tratamiento para el programa. Los tratamientos son un poco como el cianotipo para un programa. Se usan para mostrarle a un ejecutivo exactamente qué esperar del programa si lo fuera a producir. Para desarrollar un tratamiento, necesitas unas cuantas cosas:

  • El título: un buen título generalmente tiene dos significados. Observa a Mad Men (literalmente, “Hombres locos”), por ejemplo, el cual promete el mundo de las agencias de publicidad así como la cordura resbaladiza de Don Draper, el personaje principal.
  • El concepto: este es un resumen contundente de 1 a 2 oraciones del programa. Es el gancho basado alrededor de la premisa de “qué pasaría si…”. Por ejemplo, el concepto de Community podría ser “un abogado de primera se ve obligado a hacer un estrafalario nuevo grupo de amigos cuando su falso título de Derecho lo obliga a regresar a una universidad comunitaria”.
  • La sinopsis: esta es una redacción breve de una página de la idea del programa. ¿Cuáles son el escenario, la trama y el enfoque general de cada capítulo? ¿Cómo puedes capturar la esencia del programa en 3 a 4 oraciones? Si tiene un formato serial, resume la progresión de la primera temporada.
  • Hojas de personajes: toma cada personaje principal y escribe de 1 a 2 oraciones sobre él, enfocándote en su personalidad y objetivos más que en su apariencia física.
  • Guía de episodios: escribe un párrafo corto sobre los primeros 4 a 5 episodios que quieres mostrar, detallando las tramas que conformarán la mayor parte del programa

Desarrolla un poco de contenido alrededor de tu idea. La mejor forma de vender tu programa es mostrarle a alguien el programa en desarrollo. Gracias a la abundancia de equipo barato actualmente, es más fácil que nunca colocar trozos de tu programa en la red y en las manos del público. Sin embargo, el tipo de material que desarrolles dependerá de tu programa.

  • Guiones: nunca está de más tener un guion, y este es el enfoque más convencional y exitoso de hacer tu propio programa de televisión, sobre todo programas de una hora o dramáticos.
  • Episodios en la red: la mejor forma de obtener atención es simplemente hacer el programa tú mismo. YouTube ha hecho que sea notablemente fácil filmar episodios cortos de 2 a 5 minutos que involucren a tus personajes y que los compartas con el mundo. Así es como un creciente número de programas ha dado el salto a la televisión.
  • Guiones gráficos y videos promocionales: como un episodio en la red pero para proyectos más largos, son como tomas de prueba para tu programa. Pueden ser una entrevista para un programa de entrevistas, tomas de prueba para un episodio de un programa de telerrealidad o guiones gráficos y dibujos para un programa animado.
Cine

El cuento Cinematográfico.

Definición:

Narración breve, en origen oral o y que con la imprenta se extendió a la escrita, en la que se narra una historia generalmente de ficción o basada en hechos reales con pocos personajes, una intriga con reducido desarrollo y un clímax (Momento del más alto interés o emoción en la acción) y desenlace final rápidos.

El cuento Cinematográfico:

Es un relato corto que nos dice de que va la historia y nos enteramos de todo lo fundamental de la misma sin detalles, desde el inicio hasta el fin de la misma.

Características:

                             -1 Es un relato corto.

                             -2 Nos cuenta el principio y el fin de la historia sin entrar en detalles.

                             -3 Tiene la estructura de toda narración:

  1. A) Planteamiento o introducción: Se presenta a los principales personajes y se narra el acontecimiento inicial, el que origina el conflicto desarrollado en el nudo.
  2. B) Nudo o conflicto: Son los hechos que viven y realizan los personajes. Constituyen el eje de la trama.
  3. C) Desenlace o final: Es la solución al conflicto propuesto en el planteamiento y desarrollado en el nudo.

 

¿Para qué sirve el cuento Cinematográfico?

-Para plasmar una historia que posteriormente se desarrollara.

-Para sintetizar trama, personajes estructura y tener una visión general y rápida de la historia.

-Para vender el guión, la serie o el programa.

Se recomienda leer también:

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https://www.martindeleganes.es/escribir-un-guion-para-corto-tercera-parte/

https://www.martindeleganes.es/escribir-un-guion-para-corto-cuarta-parte/

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https://www.martindeleganes.es/como-vender-un-proyecto-de-television/

Blog, Cine

Lo dejo cuando quiera, Película.

Reparto.

Comedia que dirige Carlos Therón (Es por tu bien, Fuga de cerebros 2) y que protagonizan David Verdaguer (Tierra firme), Carlos Santos (Villaviciosa de al lado), Ernesto Sevilla (Tenemos que hablar), Miren Ibarguren (La que se avecina), Amaia Salamanca (Nuestros amantes) y Cristina Castaño (Nacida para ganar).

Sinopsis.

Tres amigos de la universidad, Profesores, golpeados por la crisis económica se quedan sin trabajo.  Deciden poner fin a sus problemas vendiendo un complejo vitamínico que te crea un estado anímico desfasado y sin efectos secundarios. Los tres profesores, con el apoyo de Anabel, una abogada que sobrevive como empleada de gasolinera, y de Jota, una alumna más interesada en la juerga que en los estudios, se lanzan al mundo de la noche y de los negocios turbios para comercializar la mercancía.  Algo para lo que no están aún tan preparados como planean.

Critica.

Algunos denominan a este tipo de comedia “la comedia precaria”. Y esta película versa sobre esa generación titulados y preparados no por encima de sus posibilidades como he leído por ahí, sino por encima de las posibilidades de un País que no está o no quieren que esté preparado para absorber o dar salida a tanto titulado universitario que siguiendo un sueño se esforzó y se sacrificó para tratar de tener un futuro mejor que el que tuvieron muchos de sus padres, porque es legítimo y factible que el ser humano trate de mejorar y alcanzar aquellas metas que se proponga y que sean un aporte para la Sociedad en la que vive.

Esta es una película, con una trama que no se anuncia, que te sorprende, con un trío cómico bien orquestado y con unos secundarios que sorprenden por su brillantez. Los guionistas Adolfo Valor y Cristóbal Garrido  han hecho un trabajo magnifico haciendo un guión sin agujeros para el aburrimiento, porque esta película te entretiene durante una hora y treinta y ocho minutos (1 h. 38 m). y el cine es ante todo entretenimiento.

Película recomendada para pasar un buen rato.

Actores, Cine, Teatro, Televisión

Narciso Ibáñez Serrador

Chicho Ibáñez Serrador o Luis Peñafiel

Trabajo de actor, guionista, realizador de televisión, director de teatro y de cine, y su oficio fue Entretenedor.

Sus padres Narciso Ibáñez Menta, actor y Pepita Serrador, actriz.

Nació en 1935 en Montevideo, siendo el único hijo del matrimonio.

Con 8 años realiza su primer papel doblando, para todo el mundo hispanohablante, al conejo Tambor en la película de Disney Bambi.

Su infancia estuvo marcada por la púrpura hemorrágica, una enfermedad que le impedía jugar con otros niños y compartir deportes, lo que lo convirtió en un muchacho retraído. Siendo su mejor opción de compañía los libros.

Su primera comedia Obsesión, que siempre firmaba bajo el pseudónimo “Luis Peñafiel”.

Realizó algunos trabajos como actor, pronto se distinguió por sus guiones y adaptaciones, como los realizados para Teatro universal en un acto.

Es de destacar su primera serie de terror, “Obras maestras de terror”.  Destacó también como un pionero de la ciencia ficción en la televisión con su serie Mañana puede ser verdad.

En 1963, con 28 años, en TVE (que en aquellos años era la única cadena de televisión del país), enseguida consiguió un trabajo enseñando algunas de las producciones que había realizado en Argentina​.   Sus primeros trabajos mezclarían, los dos mundos que conocía: el teatro y la televisión, y es que consistieron en adaptaciones de piezas clásicas para el programa Estudio 3 (1964).  También realizó guiones de series;   “La puerta cerrada “(1964) y La historia de San Michele (1964), recuperando además la serie Mañana puede ser verdad (1965).

En teatro, estrenando su obra Aprobado en castidad (que la censura obligó a renombrar como Aprobado en inocencia), que él mismo interpretó junto a su madre.

Su madre falleció ese mismo años de 1964, de cáncer.

Sus grandes éxitos:

                                        Historias para no dormir y el origen del Un, dos, tres (1966-1975).

                                        Consolidación del Un, dos, tres (1976-1988).

                                        Waku Waku, Hablemos de sexo y El semáforo (1989-2002).

                                        Jimanji Kanana, Un, dos, tres y Memoria de elefante (2003-2008).

Creía que un buen programa no solo debía ser atrayente, también tenía el deber de contar algo.

En los ensayos era muy duro y exigente.

Recuerda Chicho que la censura española “no entendía mucho de metáforas. Era una censura torpe que solo castigaba lo evidente”.

“Siempre me negué al título de maestro, me parecía excesivo. No fui consciente de lo que hacíamos, probablemente porque con el trabajo estaba cansado”

Vida amorosa:

Su primera esposa fue Adriana Gardiazábal, con la que estuvo casado entre 1959 y 1961.

                            Tuvo una relación con la actriz Susana Canales.

                            Su segundo matrimonio tuvo lugar en 1974, en esta ocasión con Diana Nauta.  con la que tuvo dos hijos, Josefina Agnes y Alejandro. Se divorció de este matrimonio en 1986.

                            Tuvo también una relación sentimental con Lorena Martínez.      

Fuente principal:  https://es.wikipedia.org/wiki/Chicho_Ib%C3%A1%C3%B1ez_Serrador

Teatro

Enrique Jardiel Poncela, Parte Segunda.

Las mujeres para Jardiel

En sus historias de amor usa situaciones anómalas, distintas, muy pasionales y raras; ve el lado difícil del amor, Y ahí ni el hombre ni la mujer salen indemnes para un escritor que decía que «lo peor que existe en el mundo son las mujeres, si se exceptúa a los hombres». Jardiel apuntaba en todas las direcciones y, especialmente, en la del matrimonio: «El mejor día para casarse es el 30 de febrero». Amó y fue amado. Mucho para la época, para los biempensantes. Tuvo 34 novias, dicen. «No se le ha entendido bien en el tema de las mujeres –alega su nieto–. Él las adoraba, tenía un complejo de Edipo materno, vivió con sus hermanas y tuvo varias parejas; estaba obsesionado con la mujer, pero en su obra fomenta la cara negativa… Para él las mujeres honestas e inteligentes no eran interesantes literariamente, por lo que las feministas han protestado mucho».

Dibujante e inventor

Dibujaba, creaba artilugios como un teatro de escenarios móviles, le encantaba la música…», en su familia (él no le llegó a conocer) se le recordaba como «una persona muy vital pese a los años de cáncer y pobreza, de carácter fuerte y polifacético, que solo vivía para la literatura, pero muy sociable y divertido». La muestra de la institución no es un oasis en el desierto. A Jardiel se le sigue estimando y aplaudiendo en las tablas.  Sigue haciéndonos reír. Sigue haciéndonos un poquito más libres.

https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Jardiel_Poncela

 

Extracto de la Razón  “Jardiel Poncela: El «falangista» censurado por Franco”
Teatro

Enrique Jardiel Poncela, Primera parte.

Jardiel Poncela. La risa inteligente

Hay quien se ríe de pena y de pavor, como Muñoz Seca ante el pelotón de fusilamiento: «Me podréis quitar todo menos el miedo que tengo». Y esa risa, si es consciente, si es inteligente, libera. Porque reírse es de hombres libres y la libertad no es ni de derechas ni de izquierdas. De hecho, repatea a unos y otros.

Jardiel Poncela como autor del régimen

Un mito muy arraigado pese a lo absurdo que resulta a la luz de los datos o, simplemente, abriendo una de sus páginas. «La dictadura es el sistema de gobierno en el que lo que no está prohibido es obligatorio», (nació y murió en el entorno de Chueca) «Su único pecado fue quedarse en España», declara Enrique Gallud Jardiel, nieto del dramaturgo, novelista y humorista y gran estudioso y «rescatador» de su obra.

La división simplista

De ahí radica el malentendido, el mismo que ensombreció durante años (desde la Transición) la figura de auténticos pioneros como Edgar Neville o Mihura. «En los 70 se hizo una división simplista de la literatura y se adscribió erróneamente a Jardiel al falangismo. «En los años del Frente Popular sus novelas fueron censuradas por conservadoras, pero es que con la llegada de Franco siguieron siendo censuradas por izquierdistas, porque en ellas criticaba al poder, a la Iglesia, etc.,…».

Jardiel, desde bien joven había volcado su genial bilis en la narrativa, se refugió en el teatro por ser un género más popular, donde llegar al público y ganarse la vida sin ser tan opinativo. A la postre, su dramaturgia le ha ganado en fama a su ingente novelística. «Eloísa está debajo de un almendro», «Angelina o el honor de un brigadier» son títulos que siguen reponiéndose en las tablas; nadie lee, en cambio, «La tourné de Dios».  El teatro Jardiel siguió siendo un francotirador: «Su caso no es como el de, por ejemplo, José María Pemán, apoyado por el régimen. Él nunca tuvo ayudas, ni subvenciones. Murió en la pobreza y hasta no querían dejarlo enterrar en sagrado porque se le consideraba ateo». Eso fue en 1952. Antes de eso, para este autor que alcanzó la fama en los años 20 y 30, todo se habían convertido en pulgas: el fracaso de una gira americana, un desengaño amoroso, la muerte del padre, un cáncer de laringe y la ruina económica. En la calle Infantas ideó este epitafio con el que está enterrado en la Almudena: «Si buscáis los máximos elogios, moríos». En su caso han tenido que pasar algunas décadas para que su talla intelectual se contextualice en justicia. «Hoy está más de moda que en los 70», mantiene su nieto, para quien Jardiel es «un clásico en el sentido de que su obra no caduca; es una literatura muy cosmopolita, muy atemporal; sus temas suceden ahora y sucederán dentro de 50 años; se podrían haber ambientado en Madrid, París, Buenos Aires, da igual, no era localista, ni costumbrista, ni de sainete»… ni misógino.

 

 

Extracto de la Razón  “Jardiel Poncela: El «falangista» censurado por Franco”