Cine, Teatro, Televisión

El Cuentacuentos

Cuando nos referimos al cuentacuentos hablamos del arte de contar historias para conectar con nuestros usuarios.

Pero ¿por qué es importante contar historias? Camilo Cruz, el autor del libro “El contador de historias”.  “Hay historias que provocan tristeza, otras que provocan risa, otras que provocan que se sientan identificados contigo o con lo que estás contando si se trata de algo ficticio… “En resumen, hay historias que conectan y eso es lo que tenemos que buscar cada vez que nos pongamos a teclear:

Llamar la atención de la persona que está al otro lado

Esto es importante porque la gente, pese a lo que podemos pensar, NO compra tu historia. Compra la emoción que le transmite, compra los valores de tu idea y lo que eso refleja.

 ¿Cómo usar el cuenta cuentos para venderte?

Esto puede parecerte muy complejo, pero en absoluto, solo tienes que decirle a tu audiencia por qué o en qué va a ayudarles lo que estás vendiendo y envolverlo en una historia para que llame su atención.

La historia no tiene por qué ser real, puede ser ficticia (déjalo muy claro siempre, hay que ser honesto con tu audiencia) pero evidentemente que tenga relación con lo que vendes y quieres comunicar.

De hecho, hay una situación muy curiosa y es que nuestros cerebros siguen programados para retener las historias más que cualquiera otra forma de información:

  • Cuando la información está presentada en forma de un hecho o una estadística, 5-10% de la gente la retiene.
  • Cuando la información está presentada en forma de una estadística y una historia, 25-30% de la gente la retiene.
  • Cuando la información está presentada en forma de una historia, 65-70% de la gente la retiene.

Cuando alguien te cuenta una historia, el cerebro la procesa y la relaciona inmediatamente con tu propia experiencia, y aumenta las posibilidades de que retengas esa información.

Puedes tener la idea más innovadora del siglo. Pero si no consigues importarle a nadie con tu historia, no lograrás llegar a nadie.

¿Solo para vender?

No tenemos por qué usarlo solo para vender, el cuentacuentos se basa en CONECTAR con la audiencia y transmitir de una forma correcta y que les deje huella.

Resumiendo en dos líneas cómo ha cambiado la forma de trabajar, pero contártelo en orden cronológico y desde mi experiencia, hará que las personas que estén en una situación similar, se sientan identificadas e interactúen conmigo.

Puedes poner en práctica el cuentacuentos, en todo lo que tu quieras o pretendas vender, puedes incluir tu historia personal (o una ficticia como la asesora de moda) para comunicarle a la persona que está leyéndote que tú has pasado por una situación como la que se encuentra y que por eso sabes perfectamente qué solución tiene o qué es lo idóneo para tomar acción.

¿Qué tiene que incluir el cuentacuentos?

  • 1º Los valores de tu historia
  • 2º Un elemento que desencadene emoción en tu público
  • 3º Un lenguaje basado en emociones
  • 4º Las virtudes que tienes como historia real, esas que te hacen diferente al resto
  • 5º Algo positivo que les aporte a tu público
  • 6º El enganche para enamorar a tu público hasta el punto que te prefiera entre el resto de historias de tu competencia.
Teatro

Divinas Palabras

José Carlos Plaza se alía con Ramón María del Valle-Inclán y pone en escenas

Divinas Palabras.

La pugna entre Marica del Reino y Mari Gaila por la posesión del niño bicéfalo que arrastran por ferias y romerías para conseguir dinero y el adulterio de esta última y los tremendos acontecimientos en los que desemboca conforman esta “Tragicomedia de al-dea” que “describe, a través de un pequeño núcleo, un pueblo animalizado, mezquino, inculto, al que mueven las pasiones y no la razón; exagerado, lúdico y muy manipulable por la falta de medios que su mente tiene para un mínimo discernimiento… Un espejo distorsionado de nuestra sociedad actual”, afirma el director, y añade: “Para mí describe la constante manipulación de un pueblo adocenado, castrado por falsas creencias ancestrales, que les asustan y paralizan”.

No en vano en este Valle nos enfrentamos al concepto de familia, como una unión forzosa usada como tabla de salvación, al del dinero, como único y auténtico dios, y al del orden establecido, corrupto y mezquino. Y dominándolo todo, la religión, la gran mentira.

 

Critica

Espectáculo trágico, en donde lo dramático, lo cómico y lo grotesco se aúnan en esta tragicomedia con reminiscencias de Goya y sus pinturas negra de los Disparates, de los horrores de la guerra en donde también bebieron Solana, Dalí y de toda una corriente española que llega hasta nuestros días, con Buñuel a la cabeza, en una auténtica paleta de colores, sonidos y sentimientos.

Obra de estudio en la enseñanza media como obligatoria y que vista en escena por la transformación y presentación de José Carlos Plaza, atrae despierta la sonrisa acongoja y entretiene. Dos horas de teatro de verdad, auténtico, sin máscaras

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Blog, Teatro

Juana, obra de teatro.

Montaje mezcla entre la danza, la actuación y el teatro de texto y en el que se indaga, a través de las figuras históricas de varias mujeres (la Papisa Juana, Juana de Arco, Juana la Loca, Sor Juana Inés de la Cruz y Juana Doña) y es por eso que la obra no hubiera estado mal si se hubiera llamado “Las Juanas o Juanas”.

Este gazpacho que estéticamente y visualmente resulta convincente, en todo lo demás, no. Y que a pesar de todo nos tiene entretenidos viendo como la actriz cebo de esta representación;  Aitana Sánchez-Gijón se mueve y se contornea por el escenario con cuatro bailarines-actores, ¿ o al revés?, que causa admiracíon como con sus figuras no precisamente esbeltas, se mueben como silfides de un baile clasico tradicional.

La obra dura 78 minutos contados, ¿ por qué será? lo digo por lo de contados, ¿Por qué ?.

Critica

Es un ballet, con texto, montado en cuadros, que son muy bonitos, la música las canciones las danzas, los actores, pero es que sale uno de la obra sin enterarse de que va y comentando que es la peor de la temporada, vamos que si me lo dicen y me lo cuentan antes, no voy.

“Juana”

Dramaturgia: Juan Carlos Rubio

Dirección artística y coreografía: Chevi Muraday

Reparto: Carlos Beluga, Chevi Muraday, Aitana Sánchez-Gijón, Maximiliano Sanford y Alberto Velasco

Textos: Juan Carlos Rubio, Marina Seresesky y Clarice Lispector
Asistente de Dirección: Manuela Barrero

Diseño de Escenografía: Curt Allen Willmer y Studio DeDos (AAPEE)

Diseño de Vestuario: Sonia Capilla y Chevi Muraday

Diseño de Iluminación: Nicolás Fischtel (AAI)

Música: Mariano Marín

Fotografía: Sergio Parra / Lighuen Desanto y Damián Comendador

Ayudante de producción: Julio Rojas y Clarisa García

Dirección de producción: Amanda R. García

Distribución: Charo Fernández – TraspasosKultur

Una coproducción del Teatro Español y Losdedae Compañía de Danza

Teatro

Entre bobos anda el juego: no hay marido bueno.

Entre bobos anda el juego, en montaje de Eduardo Vasco, versión actualizada de Yolanda Pallín.

La trama

La fábula de en un caballero adinerado y ridículo, don Lucas del Cigarral (José Ramón Iglesias), que pretende casarse con doña Isabel (Isabel Rodes), que a su vez, está perdidamente enamorada de don Pedro (Daniel Albaladejo), primo de don Lucas, a quien Isabel conocía porque le había salvado la vida tras una caída al Manzanares. Comedia de enredo que la versión de Pallín y Vasco la acercan a un vodevil, con rápidas escenas llenas de malentendidos, equívocos, y con música y canciones en directo, que acaban generando una serie de situaciones cómicas que la risa fácil del público. Además de la pareja de enamorados, Daniel Albaladejo e Isabel Rodes, destaca también en un papel cómico Arturo Querejeta en el papel del criado Cabellera. Junto a ellos, comparten escenario Fernando Sendino (Don Luis, pertinaz y amanerado caballero), Rafael Ortiz (Carranza), Elena Rayos (Andrea), José Vicente Ramos (Don Antonio) y Antonio de Cos (Doña Alfons).

Opinión

El ritmo vertiginoso de la trama, en donde hay peleas a florete (José Luis Massó es el asesor de movimiento y maestro de lucha), con otros momentos líricos entre la pareja de enamorados, don Pedro y doña Isabel, mientras que el hacendado don Lucas de muestras permanentes de su simpleza con sus gestos y movimientos exagerados y vestimenta ridícula que, junto al resto del vistoso vestuario, ha diseñado Lorenzo Caprile, no deja de ser una figura esperpéntica que insiste obsesivamente en que sus 6000 ducados de renta anual le dan derecho a materializar cualquier capricho con la dama cuyo amor pretende comprar.

La escenografía (un telón con motivos madrileños pintados, que desaparece cuando los personajes se dirigen a Toledo), ha sido diseñada por Carolina González, y la eficaz iluminación es obra de Miguel Ángel Camacho.

Conclusión:

La comedia muy entretenida te sacará las sonrisas aunque no tengas ganas  y las canciones que se han compuesto para la ocasión, ayudan de principio a fin a mantener esa sonrisa y a recordarles a las mujeres que, por mucho que busquen, los maridos perfectos-todos- son manifiestamente mejorables.

 

Autor: Francisco de Rojas Zorrilla

Versión: Yolanda Pallín

Dirección, música, canciones y ruidos: Eduardo Vasco

Reparto: Daniel Albaladejo, Arturo Querejeta,

José Ramón Iglesias, Isabel Rodes, Fernando Sendino,

Rafael Ortiz, Elena Rayos, José Vicente Ramos y Antonio de Cos

Escenografía y atrezo: Carolina González

Iluminación: Miguel Ángel Camacho

Vestuario: Lorenzo Caprile

Asesor de movimiento: José Luis Massó

Producción: Miguel Ángel Alcántara

Ayudante de dirección: Daniel Santos

Prensa: Josi Cortés

Creación y Producción: CNTC / Noviembre Teatro

Un trailer para abrir boca

 

 

 

Blog, Teatro

Hombres que escriben en habitaciones pequeñas

 

En mi vida he tenido tanta desgana en escribir sobre una obra de teatro, sabéis aquel cuento del rey que le confeccionaron un traje que no lo era sino un desnudo integral y le pasearon por las calles de su ciudad y solo un niño sincero se atrevió a decirle que iba desnudo, pues como ese niño me siento yo al escribir sobre esta obra de teatro, voy al asunto.

Es aburrida desde el minuto dos y dura noventa y gracias que lo anuncian debería ser obligatorio indicarlo en los carteles que las anuncian igual que las películas de toda la vida.

El caso es que había alguna espectadora que no dejaba de reír como una niña, el resto de público alguna que otra carcajada, el resto muy atentos, en un teatro muy acogedor y que si eres ancho  fuerte o gordo como se quiera decir le robas espacio al de la butaca junto a ti, como las plazas de garaje que no han crecido pero los coches cada vez más grandes y no caben los coches.

La obra insisto es aburrida, con una trama que no llega, que no dice nada, que no atrapa, que no te hace pensar, que te desorienta, que no entretiene y que si no fuera porque se hubieran tenido que mover diez personas hubiera abandonado la sala, mire el reloj como una ocho veces y esto es síntoma de que esta obra no atrae al que la va a ver, solo permaneces viéndola por el trabajo de los cuatro actores que ponen todo su empeño sus ganas y su bien hacer para que la obra sigas contemplándola, por ellos no me marche del horno al que nos sometieron es el teatro del Bosque de Móstoles.

La trama

Un autor de novelas de poco éxito que las vende en Internet, ha sido secuestrado y llevado a la fuerza a un sótano  del CNI. El hombre despierta y ve  donde se encuentra, con tres mujeres (¿o son tres espías?) que reclaman su ayuda. Si quiere formar parte de un movimiento revolucionario, el escritor tendrá que prestar su talento a una causa mayor: concluir el relato de un magnicidio que cambiará el rumbo de un país en crisis.

¿Qué es esta obra ?

Parece  o quiere ser una comedia que nos habla de contraespionaje y de terrores modernos, de viajes en el tiempo y de literatura, pero, sobre todo, de gente corriente ahogada en la paranoica, desesperación del tiempo que nos ha tocado vivir.

Lo mejor de la obra

Una magnifica Esperanza Felipe hace la figura de un personaje decidido a ejecutar el plan (“…matar está sobredimensionado”), manejando con ironía la información justa para que las fisuras no hagan mella en el grupo. Secun de la Rosa encarna a un modesto escritor que se auto publica en Amazon, y a quien ha dejado su mujer y por esa misma circunstancia le ha abocado a desarrollar su imaginación y trasportarlas a las novelas que, si son como la que cuenta al público de la Sala de la Princesa, pronto va a cambiar su sino. Cristina Alarcón, muy bien en su papel de mujer responsable, cumplidora, contenida y eficaz. Y, por último, Angy Fernández con mucho salero, gracia y simpatía a esa becaria rebelde y subcontratada para hacer traducciones de chino (un idioma que ha aprendido en una academia de Usera), que siempre cobra tarde y mal, aunque eso no le impide cantar aquello de “mi querida España, esta España viva, esta España muerta…”, el viejo himno que Cecilia cantaba en los albores de la Transición.

El culpable:

https://youtu.be/I3nN8vN_ISU

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Yolo

“Solo se vive una vez”

¿Qué significa Yolo?

Acrónimo de “You Only Live Once”(solo se vive una vez)

¿Qué es Yolo?

Circo en el Teatro.

¿Por qué Circo en el Teatro?

Se trata de un grupo de artistas valencianos de circo que se han formado en el extranjero y han tenido “muy pocas oportunidades” de esta forma llegan a todo el mundo recorriendo todos los rincones de la geografía hispana.

¿De qué trata?

Este espectáculo cuenta con Acrobacias, lanzamientos magistrales, malabarismos, técnicas aéreas…La música es otro de los protagonistas de esta función estando al mismo nivel de calidad que el resto de disciplinas que se muestran.

El espectáculo se articula alrededor de la exhibición de diferentes disciplinas de circo, presentadas cada una de ellas con una expresión particular que entra en el simbolismo de cada número.

Producción valenciana, creada por la Compañía Lucas Escobedo y en la que intervienen un grupo de artistas valencianos con sólidas trayectorias en el circo, el teatro y la música. Su director artístico, Josep Policarpo, dirección musical a cargo de Raquel Molano .

¿Es para todos los públicos?

Así se anuncia y el teatro estaba lleno de niños, pero los más pequeños al terminar  y ser interrogados por sus mayores, como niños respondían con esa sinceridad que se tiene en la niñez y decían a las claras que no les había gustado, porque realmente el Circo es para mayores que disfrutamos eso si como niños;  Estos no saben o no entienden todavía de las representaciones circenses, claro que como en todo hay excepciones y si disfrutaron de las actuaciones pero estos eran niños más mayores. Personalmente recomendaría la función para niños de 10 hasta 100 años.

Ficha artística:

Producción: Teatre Escalante. Diputación de Valencia.

Dirección e Idea Original: Lucas Escobedo.

Ayudante de dirección: Joan Cusó.

Dirección y composición musical: Raquel Molano.

Intérpretes: Jana López. Apararisi.

David Sessarego.

Laia Sales.

Iván G Torre.

Pablo Meneu.

Raquel Molano.

Lucas Escobedo.

Diseño iluminación: Juanjo Llorens.

Diseño sonido: Eduardo Soriano.

Escenografía: Luis Crespo. Diseño vestuario:

Amaya San Martín.

Letras canciones: Raquel Molano, José Agustín Goytisolo, Gabriel Celaya y cantos de tradición.

Producción de creación: Producirk.

Producción en gira: Compañía Lucas Escobedo.

Dirección técnica en gira: La cía. de La Luz. Distribución Nacional: Amadeo Vañó – Cámara Blanca. Distribución Internacional: Ana Sala – Ikebanah.

Jana López Apararisi-
y Laia Sales.

 

 

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Copenhague

 

¿Quien la escribe?

El escritor y dramaturgo británico Michael Frayn

Es una de las piezas más premiadas y representadas de los últimos años

¿De qué trata?

 Narra el encuentro que tuvo lugar en 1941 en la capital de Dinamarca, ocupada por las tropas nazis, entre el gran científico danés Niels Bohr y su ex alumno Werner Heisenberg, representante de los estamentos nazis y enemigos por la situación de sus dos países durante la Segunda Guerra Mundial. Maestro y discípulo, aquí interpretados por Emilio Gutiérrez Caba y Carlos Hipólito respectivamente, se enfrentan al problema ético del uso de los avances en física teórica para el desarrollo de armamento nuclear en el conflicto armado.

¿Fue real en encuentro?

 Algunos han querido ver como decisivo para que la balanza de la guerra se inclinase a favor de los aliados, impidiendo la creación de la bomba atómica por parte de los alemanes.

Por razones que no están establecidas históricamente, estos dos gigantes de la ciencia mundial rompieron relaciones permanentemente después de este encuentro.

Critica

Obra radiofónica con mucha fuerza que esta llevada por tres actores que la saben lucir como un guante, sobresaliendo todos en su interpretación, esto se trasmite y te baña en la atmosfera de la sala;  A pesar de los 95 minutos de duración, te mantiene expectante, porque aunque la física esta siempre en boca, en el mismo texto se explica todo bastante bien, (si tienes conocimientos básicos de física), aunque lo vertiginoso del ritmo de la misma me hizo apreciar que muchos espectadores no llegaban a entender todo el argumento de la obra, tan solo el resplandor  de los actores tiraban de la misma, ya digo,  dejando en el camino a publico que por su nivel de conocimientos sobre física no sabían apreciar  en su plenitud esta obra, brillantemente interpretada.

 

 

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El Mago, obra de teatro.

Autor Juan Mayorga.

Categoría no encaja en ninguna y tiene varias.

Actores de primera fila, todos; José Luis García-Pérez, a quien Mayorga dirigió por primera vez en “El cartógrafo”, María Galiana, popular por su papel de abuela de “Cuéntame cómo pasó”, Ivana Heredia, Julia Piera y el argentino Tomás Pozzi., todos ellos están magníficos, como auténticos actores cómicos que saben de su oficio y le dan la guinda al espectáculo.

Opinión

La obra dura  noventa y cinco minutos. Sinceramente es aburrida y sosa, sosisima, como el mismísimo autor, es melancólica, a la gente le pican las butacas del teatro. El teatro del Bosque de Móstoles, que nos tuvo pasando frío a muchos espectadores, que incluso se ponían los abrigos, nadie se fue, en la calle hacia peor, estaba lloviendo con viento gélido de un noviembre más de invierno que de otoño, porque ganas daban de hacer mutis por la puerta.

El escenario montado en un contenedor a unos dos metros del borde de las tablas para que todos pudieran verlo.

La trama

Una señora que acude a un espectáculo y regresa a casa  sin haber salido del trance,  se habla de  la imperiosa necesidad de huir de uno mismo.

El estilo o Categoría

Desconocida pero  intuida,  porque no hay un estilo determinado,  hay trazos de comedia tradicional, también de melodrama coqueteos con el teatro simbólico (grieta en la pared muy evidente, detalles en el variado vestuario…) Cuenta con algunas situaciones absurdas; todo ello aderezado con pinceladas de vidas prisioneras y desatadas al producirse un desdoblamiento de personalidad producido por el Mago, un mago que se le nombra y se le hace protagonista pero no aparece en escena.

Conclusión

Obra de teatro con figuras de primera en la escena que dan todo, pero que aburre al espectador por sosa y aburrida, con un argumento y una trama perdida, que olvida la regla de los tres actos, el público va a entretenerse a evadirse a despreocuparse de la tediosa y anodina vida diaria, el intento del autor no convence ni entretiene.  Soy de los que piensa que el teatro como espectáculo sirve para muchas cosas pero sobre la base de entretener. No recomendada.

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Joglares: Señor Ruiseñor.

“Señor Ruiseñor”

 

Obra de teatro satírica, cómica como el mismo cantar  de todo un señor ruiseñor.

De que va:

Un jardinero de Parques debe dejar el trabajo por culpa de una enfermedad reumática y le recolocan presentando las visitas teatralizadas del Museo. Pero al cabo de un tiempo, cuando él se ha enamorado del pintor al cual imita (Santiago Rusiñol (1861-1931), nacido en el seno de  familia de la burguesía catalana, con una  personalidad intensa , compleja, con una visión romántica, cítrica y desencantada de la vida. Hombre dotado de un gran talento personal se centro en la pintura y cuya obra figura en las más prestigiosas colecciones de los mejores museos del mundo. También alcanzó gran notoriedad como dramaturgo, escritor y poeta. Su carácter ingenioso y cosmopolita hace de él un referente de lo que los Castellanos consideran la Cataluña cívica, culta y abierta al mundo), deciden transformar el Museo Rusiñol en el Museo de la Identidad. A partir de aquí se empieza un conflicto entre los dos mundos: el de Rusiñol y el de los que defienden la identidad, a los que llamamos abducidos. La obra es una reivindicación del arte como patria universal, contra las patrias identitarias excluyentes, fascistas y limitadoras.

“Señor Ruiseñor”, una mordaz sátira del secesionismo catalanista

En Cataluña se ha escondido y falseado el pasado y de esta manera se ha podido configurar un orden inventado. Solo se utiliza la parte del conocimiento y de la tradición que conviene a unos pocos para contar un relato sesgado manido en intencionadamente falso. Rusiñol es la antítesis de este mundo: este artista de carácter ingenioso y cosmopolita representa el motor un canto hacia la vida alegre y sensual, el gusto por la belleza, la sutileza y el conocimiento.

Santiago Rusiñol -como dijo
Josep Pla– fue un destructor de fanáticos que representó una sociedad de ciudadanos holgados y juiciosos a orillas del Mediterráneo.

 

 

Si quieren leer más:    https://www.cronicapopular.es/2019/02/senor-ruisenor-una-mordaz-satira-del-secesionismo-catalanista/

 

 

Cuadro de la representación de Señor Ruiseñor

 

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La Lechuga, obra de teatro

 

Los hermanos Martínez,  se reúnen como cada año el día del cumpleaños del padre  junto a sus parejas el día del cumpleaños de su padre, que hace nueve años se encuentra en un estado vegetativo en la cama en la casa de la hermana.  Acuden  resignados dispuestos a soportarse pero a sabiendas de que terminarán, como otras veces…

En la obra, anodina de Víctor y Dora confrontan con la vida acomodada de Héctor y Virginia. Venicio es el soltero elegante y gay declarado de los tres hermanos y aunque su padre jamás se enteró de su elección sexual, nunca tuvieron un buen vínculo.

El enredo esta en Todos, por el amor o por el odio, están ligados y pendientes del padre. Los dueños de casa porque se lo quieren sacar de encima, los prolijos en hijos porque no tienen más lugar ni para moscas y Venicio  el soltero porque siente que su padre nunca lo quiso.

El desenlace; el que se sugiere sin apuntarse, el que nadie quiere pero todos lo desean sin saberlo, y el que todos deciden ejecutar…

La Lechuga toca temáticas profundas, logrando fundir la comedia cínica, llegando a convertirla, casi, en tragicomedia.  Nos enfrenta a temas con los cuales preferiríamos no hacerlo o hacerlo lo más tarde posible, la enfermedad, la vejez, la muerte, los vínculos familiares (inexistentes)… pero siempre con la justa y necesaria dosis de humor que nos pone a salvo. Son personajes serios, humanos, y algo ridículos, a pesar suyo, como cualquiera de nosotros  en alguno momentos.

 

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Crear Personajes o Parir Personajes .

La creación de Personajes es como parir

Cuando uno tiene una idea está seguro que incluye una serie de personajes, pero estos tienen que tener una serie de características que son los que les van a dar credibilidad a la hora de moverse y comportarse por la historia;  Si creamos un personaje joven serio responsable estudioso trabajador, este se tiene que comportar con estos parámetros o perfiles para que la historia sea creíble, si este perfil se trasforma hay que decir o contar los motivos o causas por las que este personaje experimenta ese cambio;  Como ejemplo, que desde mi punto de vista está muy escuetamente contado es en el “Episodio lll de la Guerra de las Galaxias”, la trasformación o el paso al mal que se lleva a cabo de “Anakin Skywalker a Darth Vader”,   se resuelve en un par de escenas, cuando esto es uno de los momentos más importantes de una saga, la trasformación ,el cambio de perfil de un personaje, por el rapto captura y muerte de la madre, su venganza y asesinato y por el paso al lado oscuro tentado por “Senador Palpatine” que es el malo de la saga conocido también por “Darth Sidious o El Emperador”.

Lo que te recomiendan en todos los cursos, academias y facultades es que lo mejor que puedes hacer para Parir personajes es, Crearte fichas de personajes, yo compro en librerías y papelerías unos cartones que llevan este nombre, pero un folio o  una cuartilla te pueden servir, porque, hay que dar nociones características de este personaje no contar su historia o su vida extensamente, lo que yo llamo pinceladas, lo que he apuntado al principio, hay que decir características lo que se llama perfil del personaje. Puede ser psicológico físico e incluso emocional, mientras más mejor pero también mas independiente le harás, de ahí que muchos autores una vez creado las características de este personaje hablen de “Parir Personajes” porque luego una vez descrito como es ya,  no vas a poder hacer con él lo que tú quieras va a ser como un plano de una casa, por que te tienes que guiar y conformar la historia y la trama de la misma a ese plano, a ese ser.

Darle un pasado un presente y unas aspiraciones o pretensiones vitales para saber por qué y para que  actúa o actuara.

Puedes hacer un perfil psicológico sus miedos, inseguridades, traumas o incluso fortalezas que tiene definidas gracias a ese pasado que acabas de incrustar en la vida de tu personaje.

Una vez hayas conformado amasado y creado tu personaje hazle que navegue en tu historia, porque la historia será tuya pero el personaje ya es libre  aunque tú lo has creado pero ya no te pertenece, pertenece a sí mismo. Lo creaste, lo pariste pero te debes a él y tienes que conformar la historia ciñéndote a tu personaje, ya te debes a tu personaje.

 

Podéis ampliar aquí :

Aprende a escribir un guión para Corto (Completo)

 

 

 

En memoria de Migüel Picazo Dios