Actores, Cine, Teatro, Televisión

Narciso Ibáñez Serrador

Chicho Ibáñez Serrador o Luis Peñafiel

Trabajo de actor, guionista, realizador de televisión, director de teatro y de cine, y su oficio fue Entretenedor.

Sus padres Narciso Ibáñez Menta, actor y Pepita Serrador, actriz.

Nació en 1935 en Montevideo, siendo el único hijo del matrimonio.

Con 8 años realiza su primer papel doblando, para todo el mundo hispanohablante, al conejo Tambor en la película de Disney Bambi.

Su infancia estuvo marcada por la púrpura hemorrágica, una enfermedad que le impedía jugar con otros niños y compartir deportes, lo que lo convirtió en un muchacho retraído. Siendo su mejor opción de compañía los libros.

Su primera comedia Obsesión, que siempre firmaba bajo el pseudónimo “Luis Peñafiel”.

Realizó algunos trabajos como actor, pronto se distinguió por sus guiones y adaptaciones, como los realizados para Teatro universal en un acto.

Es de destacar su primera serie de terror, “Obras maestras de terror”.  Destacó también como un pionero de la ciencia ficción en la televisión con su serie Mañana puede ser verdad.

En 1963, con 28 años, en TVE (que en aquellos años era la única cadena de televisión del país), enseguida consiguió un trabajo enseñando algunas de las producciones que había realizado en Argentina​.   Sus primeros trabajos mezclarían, los dos mundos que conocía: el teatro y la televisión, y es que consistieron en adaptaciones de piezas clásicas para el programa Estudio 3 (1964).  También realizó guiones de series;   “La puerta cerrada “(1964) y La historia de San Michele (1964), recuperando además la serie Mañana puede ser verdad (1965).

En teatro, estrenando su obra Aprobado en castidad (que la censura obligó a renombrar como Aprobado en inocencia), que él mismo interpretó junto a su madre.

Su madre falleció ese mismo años de 1964, de cáncer.

Sus grandes éxitos:

                                        Historias para no dormir y el origen del Un, dos, tres (1966-1975).

                                        Consolidación del Un, dos, tres (1976-1988).

                                        Waku Waku, Hablemos de sexo y El semáforo (1989-2002).

                                        Jimanji Kanana, Un, dos, tres y Memoria de elefante (2003-2008).

Creía que un buen programa no solo debía ser atrayente, también tenía el deber de contar algo.

En los ensayos era muy duro y exigente.

Recuerda Chicho que la censura española “no entendía mucho de metáforas. Era una censura torpe que solo castigaba lo evidente”.

“Siempre me negué al título de maestro, me parecía excesivo. No fui consciente de lo que hacíamos, probablemente porque con el trabajo estaba cansado”

Vida amorosa:

Su primera esposa fue Adriana Gardiazábal, con la que estuvo casado entre 1959 y 1961.

                            Tuvo una relación con la actriz Susana Canales.

                            Su segundo matrimonio tuvo lugar en 1974, en esta ocasión con Diana Nauta.  con la que tuvo dos hijos, Josefina Agnes y Alejandro. Se divorció de este matrimonio en 1986.

                            Tuvo también una relación sentimental con Lorena Martínez.      

Fuente principal:  https://es.wikipedia.org/wiki/Chicho_Ib%C3%A1%C3%B1ez_Serrador

Teatro

Enrique Jardiel Poncela, Parte Segunda.

Las mujeres para Jardiel

En sus historias de amor usa situaciones anómalas, distintas, muy pasionales y raras; ve el lado difícil del amor, Y ahí ni el hombre ni la mujer salen indemnes para un escritor que decía que «lo peor que existe en el mundo son las mujeres, si se exceptúa a los hombres». Jardiel apuntaba en todas las direcciones y, especialmente, en la del matrimonio: «El mejor día para casarse es el 30 de febrero». Amó y fue amado. Mucho para la época, para los biempensantes. Tuvo 34 novias, dicen. «No se le ha entendido bien en el tema de las mujeres –alega su nieto–. Él las adoraba, tenía un complejo de Edipo materno, vivió con sus hermanas y tuvo varias parejas; estaba obsesionado con la mujer, pero en su obra fomenta la cara negativa… Para él las mujeres honestas e inteligentes no eran interesantes literariamente, por lo que las feministas han protestado mucho».

Dibujante e inventor

Dibujaba, creaba artilugios como un teatro de escenarios móviles, le encantaba la música…», en su familia (él no le llegó a conocer) se le recordaba como «una persona muy vital pese a los años de cáncer y pobreza, de carácter fuerte y polifacético, que solo vivía para la literatura, pero muy sociable y divertido». La muestra de la institución no es un oasis en el desierto. A Jardiel se le sigue estimando y aplaudiendo en las tablas.  Sigue haciéndonos reír. Sigue haciéndonos un poquito más libres.

https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Jardiel_Poncela

 

Extracto de la Razón  “Jardiel Poncela: El «falangista» censurado por Franco”
Teatro

Enrique Jardiel Poncela, Primera parte.

Jardiel Poncela. La risa inteligente

Hay quien se ríe de pena y de pavor, como Muñoz Seca ante el pelotón de fusilamiento: «Me podréis quitar todo menos el miedo que tengo». Y esa risa, si es consciente, si es inteligente, libera. Porque reírse es de hombres libres y la libertad no es ni de derechas ni de izquierdas. De hecho, repatea a unos y otros.

Jardiel Poncela como autor del régimen

Un mito muy arraigado pese a lo absurdo que resulta a la luz de los datos o, simplemente, abriendo una de sus páginas. «La dictadura es el sistema de gobierno en el que lo que no está prohibido es obligatorio», (nació y murió en el entorno de Chueca) «Su único pecado fue quedarse en España», declara Enrique Gallud Jardiel, nieto del dramaturgo, novelista y humorista y gran estudioso y «rescatador» de su obra.

La división simplista

De ahí radica el malentendido, el mismo que ensombreció durante años (desde la Transición) la figura de auténticos pioneros como Edgar Neville o Mihura. «En los 70 se hizo una división simplista de la literatura y se adscribió erróneamente a Jardiel al falangismo. «En los años del Frente Popular sus novelas fueron censuradas por conservadoras, pero es que con la llegada de Franco siguieron siendo censuradas por izquierdistas, porque en ellas criticaba al poder, a la Iglesia, etc.,…».

Jardiel, desde bien joven había volcado su genial bilis en la narrativa, se refugió en el teatro por ser un género más popular, donde llegar al público y ganarse la vida sin ser tan opinativo. A la postre, su dramaturgia le ha ganado en fama a su ingente novelística. «Eloísa está debajo de un almendro», «Angelina o el honor de un brigadier» son títulos que siguen reponiéndose en las tablas; nadie lee, en cambio, «La tourné de Dios».  El teatro Jardiel siguió siendo un francotirador: «Su caso no es como el de, por ejemplo, José María Pemán, apoyado por el régimen. Él nunca tuvo ayudas, ni subvenciones. Murió en la pobreza y hasta no querían dejarlo enterrar en sagrado porque se le consideraba ateo». Eso fue en 1952. Antes de eso, para este autor que alcanzó la fama en los años 20 y 30, todo se habían convertido en pulgas: el fracaso de una gira americana, un desengaño amoroso, la muerte del padre, un cáncer de laringe y la ruina económica. En la calle Infantas ideó este epitafio con el que está enterrado en la Almudena: «Si buscáis los máximos elogios, moríos». En su caso han tenido que pasar algunas décadas para que su talla intelectual se contextualice en justicia. «Hoy está más de moda que en los 70», mantiene su nieto, para quien Jardiel es «un clásico en el sentido de que su obra no caduca; es una literatura muy cosmopolita, muy atemporal; sus temas suceden ahora y sucederán dentro de 50 años; se podrían haber ambientado en Madrid, París, Buenos Aires, da igual, no era localista, ni costumbrista, ni de sainete»… ni misógino.

 

 

Extracto de la Razón  “Jardiel Poncela: El «falangista» censurado por Franco”

 

Teatro

Teatro Clásico de Sevilla: Luces de Bohemia De Ramón María del Valle-Inclán

Esta obra de teatro arremete contra toda una sociedad.

Luces de Bohemia es un ataque feroz contra la España de su época. Integra el expresionismo, y se plantea como un movimiento de rebeldía.

Luces de Bohemia es el mejor esperpento de este autor, en el que se mezclan la visión del mundo bohemio, literario, y la realidad revolucionaria de su tiempo.
Obra que revolucionó el teatro.
Se inaugura con ella un género nuevo: el esperpento, que rompe con las convenciones escénicas anteriores.
Representa la problemática del artista moderno y su trágica lucidez.
Es modernidad en estado puro: el teatro del absurdo de postguerra. Se adentra en la condición humana, la alienación del hombre moderno….
Se puede afirmar que en pleno siglo XXl se ha convertido en un clásico de la literatura. En este sentido, no debemos olvidar que Valle Inclán no dejó de manifestar lo mucho que le debía a la literatura del Siglo de Oro español, y en especial a autores como Calderón, Cervantes y más aún, a Quevedo, con quien tenía especial afinidad intelectual.

Luces de Bohemia es un viaje a la muerte.

Luces de Bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego, que en su propio vía crucis se arrastra hasta el último aliento.

Los personajes viven, sufren, aman… son verdaderos. Verdad teatral. Desde la deformación cóncava.

La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lametones, aullidos… la trabajamos hasta la extenuación… hasta encontrar esa sinfonía sonora.

Esperpento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón.

Teatro Clásico de Sevilla

 

REPARTO

ROBERTO QUINTANA: MAX ESTRELLA

MANUEL MONTEAGUDO: DON LATINO

JUAN MOTILLA: SIMÓN, ZARATRUSTRA, VALLE INCLÁN…

ANTONIO CAMPOS: PICA LAGARTOS, DON GAY, CLARINITO…

JUANFRA JUAREZ: REY PORTUGAL, SERAFÍN, FILIBERTO…

JOSE LUIS BUSTILLO: DORIO DE GADEX, BORRACHO, PRESO…

AMPARO MARÍN: MADAME COLLET, MINISTRA, VIEJA…

REBECA TORRES: PISA BIEN, VECINA, GUARDIA, UJIER…

SILVIA BEATERIO: CLAUDINITA, CHICA, CHICO, CLARINITO..

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Dirección y versión: Alfonso Zurro (ADE)

Producción: Juan Motilla y Noelia Diez

Diseño de escenografía y vestuario: Curt Allen Wilmer (AAPEE)

Diseño de iluminación: Florencio Ortiz (AAI)

Música, espacio sonoro: Jasio Velasco

Realización vestuario: Rosalía Lago

Ayudante de dirección: Verónica Rodríguez

Ayudante de vestuario y escenografía: Mar Aguilar

Diseño gráfico: Manolo Cuervo

Fotografía: Luis Castilla

Maquillaje y peluquería: Manolo Cortés

Equipo técnico: Tito Tenorio, Antonio Villar, Rafael Calderón

Realización escenografía: Mambo, Teatro Clásico de Sevilla

Distribución y comunicación: Noelia Diez

Duración: 125 minutos

Actores, Teatro

Concha Velasco Premio Max de Honor

Premio Max de Honor, para Concha Velasco por una vida dedicada al teatro

Concha Velasco nuestra Santa Teresa de Jesús recibe el premio Max de Teatro por toda una carrera dedicada a la interpretación en el teatro , el cine y la televisión.

Al recibir el premio ha recordado una frase ilustre de su personaje de Santa Teresa;  “nada te turbe, nada te espante, todo se pasa”, ha recitado al recogerlo.

Pilar Jurado la presidenta de la SGAE se lo ha entregado en su ciudad natal, Valladolid, sobre el escenario del mítico Teatro Calderón.

En su dilatada carrera ha recibido muchos premios, pero este era especial para ella porque este era por su trayectoria teatral.

Concepción Velasco Varona, más conocida como Concha Velasco y antes como Conchita Velasco (Valladolid, 29 de noviembre de 1939), es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.

https://es.wikipedia.org/wiki/Concha_Velasco

Teatro

Siete años, obra de teatro

7 años, la obra de teatro,  Versión y dirección de Daniel Veronese.

De qué va la obra:

Tres hombres y una mujer se reúnen en el loft que ocupan sus oficinas en el centro de Madrid, fuera de su horario laboral. No es un encuentro festivo y, aunque los cuatro son socios desde hace años, tampoco es un encuentro amistoso.

Sus peores temores se han cumplido, el fisco les ha pillado y es cuestión de horas que la policía entre en la empresa a detenerlos. Junto a ellos en la reunión se encuentra un mediador… ¿Por qué? ¿Qué hacer? ¿Quién asume la culpa? ¿Cuál es el precio de pasar casi una década entre rejas?.

Basada en la película del mismo nombre:

Una propuesta en formato thriller basado en la primera película que NETFLIX produjo en España (estrenada en 2016) y con el mismo nombre, que paso sin pena ni gloria no solo por el canal que se empleo (no mayoritario) sino por mas cosas que describo en la crítica de la película.

Escrita por José Cabeza, con Maite Pérez Astorga.

Ayudante de dirección e interpretada por Miguel Rellán Carmen Ruiz, Eloy Azorín, Juan Carlos Vellido y Daniel Pérez Prada.

Escenografía y Vestuario: Mónica Boromello, Iluminación: Juan Gómez Cornejo.

Critica:

Daniel Veronese por lo que haces se te conoce, diría un viejo refrán adaptado para este caso, y lo  que hace Veronese es sacar lustre a una historia que fue llevada a la pantalla para televisión, sacarla brillo y darle esplendor de obra maestra. Porque la ha convertido en una obra de una hora y veinte minutos en una obra entretenida, cercana, humana que te hace ponerte en el papel de los personajes, que te hace reír, y eso es disfrutar del teatro, porque en verdad Veronese ha sabido captar el verdadero alma que tiene esta obra y enseñarla en unas tablas con un decorado único con cinco actores que te hacen sentir y gozar. Obra perfectamente exportable a Broadway, en donde también triunfaría. Teatro lleno hasta el gallinero y el publico con una sonrisa mejor que las sardinas.

 

Teatro

Rojo, obra de teatro de de John Logan

Juan Echanove  dirige “Rojo” y  la interpreta  junto  a Ricardo Gómez

John Logan el guionista de Gladiator, el aviador, o Skyfall   por las que es más conocido.  Escribe una obra de teatro  sobre el pintor Mark Rothko,  uno de los  máximo representante del Expresionismo, le encargan un encargo, el mayor de su trayectoria profesional, decorar las paredes de un elitista restaurante de Nueva York pintando una serie de murales que tendrán que ser representar lo mejor del artista como pintor.

 En escena Juan Echanove  bajo la mirada de su ayudante contratado para la ocasión, (Ricardo Gómez) pinta un cuadro demostrando lo que para él es el arte, la vida y la muerte, que posteriormente consigue con el suicidio, Mark Rothko.

Bajo la dirección del propio Juan Echanove los dos actores mano a mano y dejándose la piel en las tablas interpretan esta anodina historia de un pintor conocido en su casa a la hora de comer, en España no desde luego, aburrida la historia por no mas, es tan solo por las sobresalietes actuaciones de los dos actores que aparte de sudor y pulmones se dejan el tejido capilar mimetizándose tanto en sus papeles que llegan al público.

El teatro lleno hasta el gallinero, cartel de no hay localidades puesto.  Aplauso de público en pie y algunos pidiendo la oreja con los pañuelos, y es que en esta obra los actores se dejan los cuernos en ella, se lo aseguro.

 

Teatro

Día Mundial del Teatro

¿Cuando fue Creado?

El Día Mundial del Teatro fue creado en 1961 por iniciativa del Instituto Internacional del Teatro (ITI), sin embargo, su primera celebración oficial fue el 27 de marzo del año siguiente.

¿Qué es la Organización Internacional del Teatro?

El Instituto Internacional del Teatro es la organización artística más grande del mundo. Se creó en 1948 por artistas, expertos teatrales y la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco, por su sigla en inglés). La ITI es actualmente una organización sin fines de lucro. Seguir leyendo “Día Mundial del Teatro”

Teatro

Lota, las mujeres del carbón

Lata, las mujeres del carbón es un  gran espectáculo teatral de danza, fusiona la danza flamenca  con danzas chilenas.  Basándose en relatos reales de mineros y familiares, hablan del cierre de la mina de la ciudad chilena de “Lota”.

La obra escénica de danza flamenca-chilena  une  el flamenco a  las danzas chilenas más populares apoyada por una narradora, con interpretación teatral y música en vivo. Todo mezclado con gran colorido escénico y mucha fuerza interpretativa. Trasmitiendo fuerza, rabia, frustración…desesperación.

De la “Academia Embrujo” han salido los bailarines que componen el coro de actores-bailarines  que hacen esta obra. El fundador de la academia es Pedro Fernández Embrujo, bailarín y coreógrafo especializado en Flamenco y Danza Española, que recorre los escenarios de toda América Latina cosechando multitud de premios.

Lota, es por todo un espectáculo teatral de danza,  con fuerza femenina colorido y ritmo trepidante que agarra y te hace vibrar. El público al finalizar del espectáculo en pie aplaudiendo.