Blog, Teatro

Joglares: Señor Ruiseñor.

“Señor Ruiseñor”

 

Obra de teatro satírica, cómica como el mismo cantar  de todo un señor ruiseñor.

De que va:

Un jardinero de Parques debe dejar el trabajo por culpa de una enfermedad reumática y le recolocan presentando las visitas teatralizadas del Museo. Pero al cabo de un tiempo, cuando él se ha enamorado del pintor al cual imita (Santiago Rusiñol (1861-1931), nacido en el seno de  familia de la burguesía catalana, con una  personalidad intensa , compleja, con una visión romántica, cítrica y desencantada de la vida. Hombre dotado de un gran talento personal se centro en la pintura y cuya obra figura en las más prestigiosas colecciones de los mejores museos del mundo. También alcanzó gran notoriedad como dramaturgo, escritor y poeta. Su carácter ingenioso y cosmopolita hace de él un referente de lo que los Castellanos consideran la Cataluña cívica, culta y abierta al mundo), deciden transformar el Museo Rusiñol en el Museo de la Identidad. A partir de aquí se empieza un conflicto entre los dos mundos: el de Rusiñol y el de los que defienden la identidad, a los que llamamos abducidos. La obra es una reivindicación del arte como patria universal, contra las patrias identitarias excluyentes, fascistas y limitadoras.

“Señor Ruiseñor”, una mordaz sátira del secesionismo catalanista

En Cataluña se ha escondido y falseado el pasado y de esta manera se ha podido configurar un orden inventado. Solo se utiliza la parte del conocimiento y de la tradición que conviene a unos pocos para contar un relato sesgado manido en intencionadamente falso. Rusiñol es la antítesis de este mundo: este artista de carácter ingenioso y cosmopolita representa el motor un canto hacia la vida alegre y sensual, el gusto por la belleza, la sutileza y el conocimiento.

Santiago Rusiñol -como dijo
Josep Pla– fue un destructor de fanáticos que representó una sociedad de ciudadanos holgados y juiciosos a orillas del Mediterráneo.

 

 

Si quieren leer más:    https://www.cronicapopular.es/2019/02/senor-ruisenor-una-mordaz-satira-del-secesionismo-catalanista/

 

 

Cuadro de la representación de Señor Ruiseñor

 

Blog, Teatro

La Lechuga, obra de teatro

 

Los hermanos Martínez,  se reúnen como cada año el día del cumpleaños del padre  junto a sus parejas el día del cumpleaños de su padre, que hace nueve años se encuentra en un estado vegetativo en la cama en la casa de la hermana.  Acuden  resignados dispuestos a soportarse pero a sabiendas de que terminarán, como otras veces…

En la obra, anodina de Víctor y Dora confrontan con la vida acomodada de Héctor y Virginia. Venicio es el soltero elegante y gay declarado de los tres hermanos y aunque su padre jamás se enteró de su elección sexual, nunca tuvieron un buen vínculo.

El enredo esta en Todos, por el amor o por el odio, están ligados y pendientes del padre. Los dueños de casa porque se lo quieren sacar de encima, los prolijos en hijos porque no tienen más lugar ni para moscas y Venicio  el soltero porque siente que su padre nunca lo quiso.

El desenlace; el que se sugiere sin apuntarse, el que nadie quiere pero todos lo desean sin saberlo, y el que todos deciden ejecutar…

La Lechuga toca temáticas profundas, logrando fundir la comedia cínica, llegando a convertirla, casi, en tragicomedia.  Nos enfrenta a temas con los cuales preferiríamos no hacerlo o hacerlo lo más tarde posible, la enfermedad, la vejez, la muerte, los vínculos familiares (inexistentes)… pero siempre con la justa y necesaria dosis de humor que nos pone a salvo. Son personajes serios, humanos, y algo ridículos, a pesar suyo, como cualquiera de nosotros  en alguno momentos.

 

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Crear Personajes o Parir Personajes .

La creación de Personajes es como parir

Cuando uno tiene una idea está seguro que incluye una serie de personajes, pero estos tienen que tener una serie de características que son los que les van a dar credibilidad a la hora de moverse y comportarse por la historia;  Si creamos un personaje joven serio responsable estudioso trabajador, este se tiene que comportar con estos parámetros o perfiles para que la historia sea creíble, si este perfil se trasforma hay que decir o contar los motivos o causas por las que este personaje experimenta ese cambio;  Como ejemplo, que desde mi punto de vista está muy escuetamente contado es en el “Episodio lll de la Guerra de las Galaxias”, la trasformación o el paso al mal que se lleva a cabo de “Anakin Skywalker a Darth Vader”,   se resuelve en un par de escenas, cuando esto es uno de los momentos más importantes de una saga, la trasformación ,el cambio de perfil de un personaje, por el rapto captura y muerte de la madre, su venganza y asesinato y por el paso al lado oscuro tentado por “Senador Palpatine” que es el malo de la saga conocido también por “Darth Sidious o El Emperador”.

Lo que te recomiendan en todos los cursos, academias y facultades es que lo mejor que puedes hacer para Parir personajes es, Crearte fichas de personajes, yo compro en librerías y papelerías unos cartones que llevan este nombre, pero un folio o  una cuartilla te pueden servir, porque, hay que dar nociones características de este personaje no contar su historia o su vida extensamente, lo que yo llamo pinceladas, lo que he apuntado al principio, hay que decir características lo que se llama perfil del personaje. Puede ser psicológico físico e incluso emocional, mientras más mejor pero también mas independiente le harás, de ahí que muchos autores una vez creado las características de este personaje hablen de “Parir Personajes” porque luego una vez descrito como es ya,  no vas a poder hacer con él lo que tú quieras va a ser como un plano de una casa, por que te tienes que guiar y conformar la historia y la trama de la misma a ese plano, a ese ser.

Darle un pasado un presente y unas aspiraciones o pretensiones vitales para saber por qué y para que  actúa o actuara.

Puedes hacer un perfil psicológico sus miedos, inseguridades, traumas o incluso fortalezas que tiene definidas gracias a ese pasado que acabas de incrustar en la vida de tu personaje.

Una vez hayas conformado amasado y creado tu personaje hazle que navegue en tu historia, porque la historia será tuya pero el personaje ya es libre  aunque tú lo has creado pero ya no te pertenece, pertenece a sí mismo. Lo creaste, lo pariste pero te debes a él y tienes que conformar la historia ciñéndote a tu personaje, ya te debes a tu personaje.

 

Podéis ampliar aquí :

Aprende a escribir un guión para Corto (Completo)

 

 

 

En memoria de Migüel Picazo Dios

Cine, Publicidad, Teatro, Televisión

El erotismo en el espectáculo.

Definición

Los griegos utilizaban la palabra érōs para referirse a la pasión aplicada al amor y al deseo de tipo sensual. Ese sentimiento también se representó a través del dios Eros. En la lengua española, el término erotismo connota y denota lo relacionado con la sexualidad, tanto en relación al mero acto sexual de desarrollo carnal como a sus proyecciones.

Hoy día al hablar de erotismo lo estamos identificando con lo que es el deseo sexual y sensual mientras que el amor se considera a aquel que tiene que ver con los sentimientos, con lo profundo del alma, lo que va más allá del mero aspecto físico.

Aunque parezca extraño, el erotismo siempre está presente incluso en la religión y en los sistemas de creencias. En el catolicismo, los textos místicos de San Juan de la Cruz incluyen una retórica que rebalsa de erotismo atribuido a la deidad. En otras religiones, por otra parte, existía una costumbre que bien podría definirse como una prostitución de índole sagrada que se extendió hasta la Grecia clásica. Tampoco puede dejar de mencionarse al popular libro del Kama Sutra, una sublimación a la sexualidad perteneciente al hinduismo.

En la literatura actual, uno de sus principales exponentes es el Marqués de Sade, quien supo ser condenado por desarrollar en público actos de libertinaje y por complementar sus intereses sexuales con reacciones violentas.

Porque en el cine

El cine es  espectáculo y el espectáculo requiere de las escenas íntimas que atraigan el morbo, la curiosidad, por eso  siempre han estado en las películas, provocando morbo, interés, curiosidad, escándalo, polémica…  Se ha insinuado sin mostrar porque siempre se ha pensado que es más elegante despertar la imaginación del espectador que mostrar y desencantar, porque el objetivo del erotismo es mantenerte entretenido haciéndote desear lo que no puedes observar, esto es un fuerte imán que todos los Productores, guionistas y directores de cine lo saben y lo utilizan muy bien para sus fines.

El cine erótico o con escenas que lo contienen ha estado y está de moda, y es actualmente continua con mas “voltaje”, el cine erótico se ha hecho más alto y provocativo. Los directores disfrutan provocando porque saben que esto les trae polémica y esta lleva espectadores a sus salas.  Bajo la premisa de “lo exige el  guion” cosa que en muchos casos se podría omitir u obviar,  se presenta el erotismo como una necesidad para que los actores muestren sus “partes reservadas” ante una multitud de técnicos, se caen focos , la gente tropieza…son las anécdotas que cualquier director que haya tenido que rodar escenas eróticas te contará. Muchos grandes actores se niegan a rodar escenas eróticas  subidas de tono por ello se recurre a; Filmar a los dobles de cuerpo, quienes realmente hacen la escena de  sexo, y después a los actores pretendiendo tenerlo.  En la postproducción se mezclan digitalmente las dos tomas, y así todos contentos.  Aunque no siempre sucede así ; fue 9 Songs, en 2004, del director británico Michael Winterbottom. Sus actores principales, Kieran O’Brien y Margo Stilley, tuvieron sexo no simulado durante las numerosas secuencias eróticas que incluye la trama. Pero esta no es la única vez que ocurre algo así: en 1999, Tom Cruise y Nicole Kidman, quienes estaban casados, también tuvieron intimidad ¡de verdad! al filmar Eyes Wide Shut, con el director Stanley Kubrick.

El sexo continúa y continuara siendo una de las obsesiones del ser humano… y por eso es un tema que aparece tanto en la literatura en el teatro, en el cine y en la televisión.

 

 

Blog, Teatro

El último Templario de Jerez, obra de teatro

“El último Templario de Xerez”

Teatro El Conventual San Benito de Alcántara (Cáceres)

Sobre un escenario natural, a espaldas de la fachada conventual de Alcántara, desarrollan esta obra, que  narra la historia de la toma de la ciudad  de “Jerez de los Caballeros” por la Orden del Temple, donde estuvieron asentados durante un siglo estos monjes caballeros, dedicados a proteger las rutas hacia Santiago de Compostela.  Se describe su apogeo y decadencia debido a los celos avariciosos que provocaban entra la nobleza y el clero las enormes posesiones y riquezas que atesoraban estos caballeros, se narra su derrota frente al clero y a las tropas de Alfonso XI de León; es entonces la lucha por el poder entre la iglesia, los nobles y los templarios.

La Historia

Como columna vertebrar, una historia de amor truncada entre la bella María y Mateo, adoptado y  educado desde niño para ingresar en la Orden un amor entre jóvenes y el deseo del Gran Maestre para que sea su sucesor que le harán tomar una dolorosa decisión para su corazón, ser maestre de la misma, se verá obligado a renunciar a su amada, esto le hará mantener una lucha interna entre sus sentimientos y las normas de la Orden, las cuales prescriben el celibato y el voto de castidad como pautas de conducta obligada.  De esta manera la ficción y la realidad irán enlazando el tapiz de la historia de esta obra de dos horas y cuarenta minutos de duración.

La magia del lugar donde se realiza la obra, la El Conventual San Benito de Alcántara (Cáceres), la ambientación, la escenografía, un excelente vestuario y la ilusión que ponen todos los Jerezanos que protagonizan esta obra, hacen todo lo demás.

La hacen:

Dirigida por Pablo Pérez de Lazarraga, escrita por Nuria Pérez Mezquita, y el jerezano José Márquez Franco y Pedro A.  Penco Martín junto al asesoramiento histórico del cronista oficial de la ciudad Feliciano Corea Gamero. Con la participación de unos ochenta vecinos de la localidad de Jerez de los Caballeros.

https://youtu.be/fmgl1CW97kw

 

En resumen:

Una obra de aficionados que con toda la ilusión, interés y buenas ganas la deja en un espectáculo muy digno de ver a la altura de grandes producciones de teatro profesional. Un vestuario realista, como si lo hubiese hecho el mismísimo “Paco Delgado”, una puesta en escena difícil de hacer en un teatro comercial por la conjunción de todos los actores que intervienen en la obra (unos ochenta y que en ciertas momentos de la representación están mas de la mitad en las tablas) , y unas interpretaciones que en su mayoría eran suficientes y meritorias, pues cuando alguien hace un trabajo con todo su mejor empeño u buen hacer, el resultado siempre ha de ser buenos, lo único indigno fue la temperatura que tuvimos que soportar que era más propia de un mes de octubre que uno de Agosto.

 

Actores, Cine, Teatro, Televisión

Encarna Paso, Actriz.

María Encarnación Paso Ramos nació en 1931 en el seno de una de las familias teatrales más importantes de España. Su abuelo Antonio Paso fue dramaturgo y libretista. Su padre, también Antonio, fue empresario teatral y guionista. Su tío Enrique fue autor y su otro tío Alfonso cosechó grandes éxitos en los setenta y fue Premio Nacional de Teatro.

Su carrera se extendió 57 años en el teatro, el cine y la televisión

Madrileña de nacimiento forma parte de una saga teatral en la que destacan los dramaturgos Antonio Paso (su abuelo) y Alfonso Paso (su tío).   Hija, nieta, hermana, sobrina y madre de gente del teatro, Con esta sangre su formación fue a base de trabajo y más trabajo en las tablas de todos los teatros peninsulares.  Debutó con un pequeño papel en la película Botón de ancla (1948).  Actriz de presencia tan constante y eficiente como discreta, de mirada serena firme y limpia.

Se despidió de los escenarios a lo grande, en el teatro romano de Mérida junto a Héctor Alterio en la obra Yo, Claudio, interpretando a Livia.

Encarna tras un retiro de una década para disfrutar de su vejez y de su intensa labor interpretativa, muere a los 88 años de edad.

En la constelación de las estrellas de todos los tiempos del cine y del teatro español esta Encarna Paso.

https://es.wikipedia.org/wiki/Encarna_Paso

 

Actores, Cine, Teatro, Televisión

Narciso Ibáñez Serrador

Chicho Ibáñez Serrador o Luis Peñafiel

Trabajo de actor, guionista, realizador de televisión, director de teatro y de cine, y su oficio fue Entretenedor.

Sus padres Narciso Ibáñez Menta, actor y Pepita Serrador, actriz.

Nació en 1935 en Montevideo, siendo el único hijo del matrimonio.

Con 8 años realiza su primer papel doblando, para todo el mundo hispanohablante, al conejo Tambor en la película de Disney Bambi.

Su infancia estuvo marcada por la púrpura hemorrágica, una enfermedad que le impedía jugar con otros niños y compartir deportes, lo que lo convirtió en un muchacho retraído. Siendo su mejor opción de compañía los libros.

Su primera comedia Obsesión, que siempre firmaba bajo el pseudónimo “Luis Peñafiel”.

Realizó algunos trabajos como actor, pronto se distinguió por sus guiones y adaptaciones, como los realizados para Teatro universal en un acto.

Es de destacar su primera serie de terror, “Obras maestras de terror”.  Destacó también como un pionero de la ciencia ficción en la televisión con su serie Mañana puede ser verdad.

En 1963, con 28 años, en TVE (que en aquellos años era la única cadena de televisión del país), enseguida consiguió un trabajo enseñando algunas de las producciones que había realizado en Argentina​.   Sus primeros trabajos mezclarían, los dos mundos que conocía: el teatro y la televisión, y es que consistieron en adaptaciones de piezas clásicas para el programa Estudio 3 (1964).  También realizó guiones de series;   “La puerta cerrada “(1964) y La historia de San Michele (1964), recuperando además la serie Mañana puede ser verdad (1965).

En teatro, estrenando su obra Aprobado en castidad (que la censura obligó a renombrar como Aprobado en inocencia), que él mismo interpretó junto a su madre.

Su madre falleció ese mismo años de 1964, de cáncer.

Sus grandes éxitos:

                                        Historias para no dormir y el origen del Un, dos, tres (1966-1975).

                                        Consolidación del Un, dos, tres (1976-1988).

                                        Waku Waku, Hablemos de sexo y El semáforo (1989-2002).

                                        Jimanji Kanana, Un, dos, tres y Memoria de elefante (2003-2008).

Creía que un buen programa no solo debía ser atrayente, también tenía el deber de contar algo.

En los ensayos era muy duro y exigente.

Recuerda Chicho que la censura española “no entendía mucho de metáforas. Era una censura torpe que solo castigaba lo evidente”.

“Siempre me negué al título de maestro, me parecía excesivo. No fui consciente de lo que hacíamos, probablemente porque con el trabajo estaba cansado”

Vida amorosa:

Su primera esposa fue Adriana Gardiazábal, con la que estuvo casado entre 1959 y 1961.

                            Tuvo una relación con la actriz Susana Canales.

                            Su segundo matrimonio tuvo lugar en 1974, en esta ocasión con Diana Nauta.  con la que tuvo dos hijos, Josefina Agnes y Alejandro. Se divorció de este matrimonio en 1986.

                            Tuvo también una relación sentimental con Lorena Martínez.      

Fuente principal:  https://es.wikipedia.org/wiki/Chicho_Ib%C3%A1%C3%B1ez_Serrador

Teatro

Enrique Jardiel Poncela, Parte Segunda.

Las mujeres para Jardiel

En sus historias de amor usa situaciones anómalas, distintas, muy pasionales y raras; ve el lado difícil del amor, Y ahí ni el hombre ni la mujer salen indemnes para un escritor que decía que «lo peor que existe en el mundo son las mujeres, si se exceptúa a los hombres». Jardiel apuntaba en todas las direcciones y, especialmente, en la del matrimonio: «El mejor día para casarse es el 30 de febrero». Amó y fue amado. Mucho para la época, para los biempensantes. Tuvo 34 novias, dicen. «No se le ha entendido bien en el tema de las mujeres –alega su nieto–. Él las adoraba, tenía un complejo de Edipo materno, vivió con sus hermanas y tuvo varias parejas; estaba obsesionado con la mujer, pero en su obra fomenta la cara negativa… Para él las mujeres honestas e inteligentes no eran interesantes literariamente, por lo que las feministas han protestado mucho».

Dibujante e inventor

Dibujaba, creaba artilugios como un teatro de escenarios móviles, le encantaba la música…», en su familia (él no le llegó a conocer) se le recordaba como «una persona muy vital pese a los años de cáncer y pobreza, de carácter fuerte y polifacético, que solo vivía para la literatura, pero muy sociable y divertido». La muestra de la institución no es un oasis en el desierto. A Jardiel se le sigue estimando y aplaudiendo en las tablas.  Sigue haciéndonos reír. Sigue haciéndonos un poquito más libres.

https://es.wikipedia.org/wiki/Enrique_Jardiel_Poncela

 

Extracto de la Razón  “Jardiel Poncela: El «falangista» censurado por Franco”
Teatro

Enrique Jardiel Poncela, Primera parte.

Jardiel Poncela. La risa inteligente

Hay quien se ríe de pena y de pavor, como Muñoz Seca ante el pelotón de fusilamiento: «Me podréis quitar todo menos el miedo que tengo». Y esa risa, si es consciente, si es inteligente, libera. Porque reírse es de hombres libres y la libertad no es ni de derechas ni de izquierdas. De hecho, repatea a unos y otros.

Jardiel Poncela como autor del régimen

Un mito muy arraigado pese a lo absurdo que resulta a la luz de los datos o, simplemente, abriendo una de sus páginas. «La dictadura es el sistema de gobierno en el que lo que no está prohibido es obligatorio», (nació y murió en el entorno de Chueca) «Su único pecado fue quedarse en España», declara Enrique Gallud Jardiel, nieto del dramaturgo, novelista y humorista y gran estudioso y «rescatador» de su obra.

La división simplista

De ahí radica el malentendido, el mismo que ensombreció durante años (desde la Transición) la figura de auténticos pioneros como Edgar Neville o Mihura. «En los 70 se hizo una división simplista de la literatura y se adscribió erróneamente a Jardiel al falangismo. «En los años del Frente Popular sus novelas fueron censuradas por conservadoras, pero es que con la llegada de Franco siguieron siendo censuradas por izquierdistas, porque en ellas criticaba al poder, a la Iglesia, etc.,…».

Jardiel, desde bien joven había volcado su genial bilis en la narrativa, se refugió en el teatro por ser un género más popular, donde llegar al público y ganarse la vida sin ser tan opinativo. A la postre, su dramaturgia le ha ganado en fama a su ingente novelística. «Eloísa está debajo de un almendro», «Angelina o el honor de un brigadier» son títulos que siguen reponiéndose en las tablas; nadie lee, en cambio, «La tourné de Dios».  El teatro Jardiel siguió siendo un francotirador: «Su caso no es como el de, por ejemplo, José María Pemán, apoyado por el régimen. Él nunca tuvo ayudas, ni subvenciones. Murió en la pobreza y hasta no querían dejarlo enterrar en sagrado porque se le consideraba ateo». Eso fue en 1952. Antes de eso, para este autor que alcanzó la fama en los años 20 y 30, todo se habían convertido en pulgas: el fracaso de una gira americana, un desengaño amoroso, la muerte del padre, un cáncer de laringe y la ruina económica. En la calle Infantas ideó este epitafio con el que está enterrado en la Almudena: «Si buscáis los máximos elogios, moríos». En su caso han tenido que pasar algunas décadas para que su talla intelectual se contextualice en justicia. «Hoy está más de moda que en los 70», mantiene su nieto, para quien Jardiel es «un clásico en el sentido de que su obra no caduca; es una literatura muy cosmopolita, muy atemporal; sus temas suceden ahora y sucederán dentro de 50 años; se podrían haber ambientado en Madrid, París, Buenos Aires, da igual, no era localista, ni costumbrista, ni de sainete»… ni misógino.

 

 

Extracto de la Razón  “Jardiel Poncela: El «falangista» censurado por Franco”

 

Teatro

Teatro Clásico de Sevilla: Luces de Bohemia De Ramón María del Valle-Inclán

Esta obra de teatro arremete contra toda una sociedad.

Luces de Bohemia es un ataque feroz contra la España de su época. Integra el expresionismo, y se plantea como un movimiento de rebeldía.

Luces de Bohemia es el mejor esperpento de este autor, en el que se mezclan la visión del mundo bohemio, literario, y la realidad revolucionaria de su tiempo.
Obra que revolucionó el teatro.
Se inaugura con ella un género nuevo: el esperpento, que rompe con las convenciones escénicas anteriores.
Representa la problemática del artista moderno y su trágica lucidez.
Es modernidad en estado puro: el teatro del absurdo de postguerra. Se adentra en la condición humana, la alienación del hombre moderno….
Se puede afirmar que en pleno siglo XXl se ha convertido en un clásico de la literatura. En este sentido, no debemos olvidar que Valle Inclán no dejó de manifestar lo mucho que le debía a la literatura del Siglo de Oro español, y en especial a autores como Calderón, Cervantes y más aún, a Quevedo, con quien tenía especial afinidad intelectual.

Luces de Bohemia es un viaje a la muerte.

Luces de Bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego, que en su propio vía crucis se arrastra hasta el último aliento.

Los personajes viven, sufren, aman… son verdaderos. Verdad teatral. Desde la deformación cóncava.

La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lametones, aullidos… la trabajamos hasta la extenuación… hasta encontrar esa sinfonía sonora.

Esperpento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón.

Teatro Clásico de Sevilla

 

REPARTO

ROBERTO QUINTANA: MAX ESTRELLA

MANUEL MONTEAGUDO: DON LATINO

JUAN MOTILLA: SIMÓN, ZARATRUSTRA, VALLE INCLÁN…

ANTONIO CAMPOS: PICA LAGARTOS, DON GAY, CLARINITO…

JUANFRA JUAREZ: REY PORTUGAL, SERAFÍN, FILIBERTO…

JOSE LUIS BUSTILLO: DORIO DE GADEX, BORRACHO, PRESO…

AMPARO MARÍN: MADAME COLLET, MINISTRA, VIEJA…

REBECA TORRES: PISA BIEN, VECINA, GUARDIA, UJIER…

SILVIA BEATERIO: CLAUDINITA, CHICA, CHICO, CLARINITO..

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Dirección y versión: Alfonso Zurro (ADE)

Producción: Juan Motilla y Noelia Diez

Diseño de escenografía y vestuario: Curt Allen Wilmer (AAPEE)

Diseño de iluminación: Florencio Ortiz (AAI)

Música, espacio sonoro: Jasio Velasco

Realización vestuario: Rosalía Lago

Ayudante de dirección: Verónica Rodríguez

Ayudante de vestuario y escenografía: Mar Aguilar

Diseño gráfico: Manolo Cuervo

Fotografía: Luis Castilla

Maquillaje y peluquería: Manolo Cortés

Equipo técnico: Tito Tenorio, Antonio Villar, Rafael Calderón

Realización escenografía: Mambo, Teatro Clásico de Sevilla

Distribución y comunicación: Noelia Diez

Duración: 125 minutos

Actores, Teatro

Concha Velasco Premio Max de Honor

Premio Max de Honor, para Concha Velasco por una vida dedicada al teatro

Concha Velasco nuestra Santa Teresa de Jesús recibe el premio Max de Teatro por toda una carrera dedicada a la interpretación en el teatro , el cine y la televisión.

Al recibir el premio ha recordado una frase ilustre de su personaje de Santa Teresa;  “nada te turbe, nada te espante, todo se pasa”, ha recitado al recogerlo.

Pilar Jurado la presidenta de la SGAE se lo ha entregado en su ciudad natal, Valladolid, sobre el escenario del mítico Teatro Calderón.

En su dilatada carrera ha recibido muchos premios, pero este era especial para ella porque este era por su trayectoria teatral.

Concepción Velasco Varona, más conocida como Concha Velasco y antes como Conchita Velasco (Valladolid, 29 de noviembre de 1939), es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.

https://es.wikipedia.org/wiki/Concha_Velasco

Teatro

Siete años, obra de teatro

7 años, la obra de teatro,  Versión y dirección de Daniel Veronese.

De qué va la obra:

Tres hombres y una mujer se reúnen en el loft que ocupan sus oficinas en el centro de Madrid, fuera de su horario laboral. No es un encuentro festivo y, aunque los cuatro son socios desde hace años, tampoco es un encuentro amistoso.

Sus peores temores se han cumplido, el fisco les ha pillado y es cuestión de horas que la policía entre en la empresa a detenerlos. Junto a ellos en la reunión se encuentra un mediador… ¿Por qué? ¿Qué hacer? ¿Quién asume la culpa? ¿Cuál es el precio de pasar casi una década entre rejas?.

Basada en la película del mismo nombre:

Una propuesta en formato thriller basado en la primera película que NETFLIX produjo en España (estrenada en 2016) y con el mismo nombre, que paso sin pena ni gloria no solo por el canal que se empleo (no mayoritario) sino por mas cosas que describo en la crítica de la película.

Escrita por José Cabeza, con Maite Pérez Astorga.

Ayudante de dirección e interpretada por Miguel Rellán Carmen Ruiz, Eloy Azorín, Juan Carlos Vellido y Daniel Pérez Prada.

Escenografía y Vestuario: Mónica Boromello, Iluminación: Juan Gómez Cornejo.

Critica:

Daniel Veronese por lo que haces se te conoce, diría un viejo refrán adaptado para este caso, y lo  que hace Veronese es sacar lustre a una historia que fue llevada a la pantalla para televisión, sacarla brillo y darle esplendor de obra maestra. Porque la ha convertido en una obra de una hora y veinte minutos en una obra entretenida, cercana, humana que te hace ponerte en el papel de los personajes, que te hace reír, y eso es disfrutar del teatro, porque en verdad Veronese ha sabido captar el verdadero alma que tiene esta obra y enseñarla en unas tablas con un decorado único con cinco actores que te hacen sentir y gozar. Obra perfectamente exportable a Broadway, en donde también triunfaría. Teatro lleno hasta el gallinero y el publico con una sonrisa mejor que las sardinas.