Teatro

“Curva España”

Una obra con dramaturgia y dirección de Xron  que invita a reflexionar sobre la frontera entre lo real y lo inventado, la historia y la leyenda, a partir de los mecanismos del teatro-documento.

Combinando teatro y cine en directo “Curva España” profundiza en los mecanismos narrativos que surgen en la frontera entre lo real y lo inventado, entre la pantalla y el escenario.

La obra parte de una historia local, que se ha ido transmitiendo oralmente entre la gente de la comarca de Verín (Ourense) durante los últimos cien años: la historia de la curva en la que se mató el ingeniero José Fernández España en 1927, cuando trabajaba en el trazado ferroviario de acceso a Galicia entre Puebla de Sanabria y Ourense.

Trata sobre un accidente aparentemente sin resolver, una muerte violenta que provoca sospechas e interrogantes sobre sus autores, motivaciones y consecuencias.

A partir de la existencia de distintas versiones sobre el caso, se elabora una pieza con múltiples lecturas, que habla de los conflictos del presente echando una mirada a los errores del pasado. Da un paso más para profundizar en los mecanismos narrativos que surgen en la frontera entre lo real y lo inventado, entre la pantalla y el escenario.

Dramaturgia y puesta en escena: Xron

En escena: Patricia de Lorenzo, Miguel de Lira, Lucía Estévez y Leticia T. Blanco

Iluminación: Fidel Vázquez

Espacio audiovisual: Lucía Estévez, Leticia T. Blanco y Laura Iturralde

Gráfica: Óscar Villán, Iván Suárez

Espacio sonoro: Xacobe Martínez Antelo

Vestuario: Renata Uzal

Producción: Chévere

 

Actores, Cine, Teatro

Gracita Morales

Recordada por su inconfundible voz atiplada y peculiar por su vis cómica la convirtieron en la actriz más popular de los años sesenta,

Esta aquí en esta sección por ser una estrella y poder decir que de su cine, lo era, por las circunstancias de la época un cine del llamado españolada, pero también fundamental para entender la España de los años 60 y 70″.

Nacida en Madrid el 9 de noviembre de 1928, Gracita Morales era hija del empresario del Teatro Calderón. Pese a que sus padres se oponían a que trabajase como actriz, y después de estudiar danza clásica, debutó a los 20 años como meritoria en la compañía de Luis Peña y Rosita Hernán. También formó parte del elenco de otras compañías, como las de Antonio Víco, Catalina Bárcena y Tina Gascó.

Dijo de ella el cabezón (Jose María Forqué); “Tenía un talento muy especial, y ni ella se daba cuenta”.

En el año 1960, Gracita se casó con el pintor, decorador y figurinista canario Martín Zerolo, con quien había iniciado un noviazgo en 1952.  la actriz madrileña era todo simpatía y alegría, en la vida real su fuerte temperamento originó conflictos en los rodajes.
Su vida personal se desmoronó con la ruptura de su matrimonio con Zerolo, que se vino abajo en la parte final de los años 60, hasta confirmarse en un divorcio en el año 1982.Muchas fueron las causas pero su imposibilidad de tener hijos esta entre una de las más fuertes
Gracita sufrió ansiedad y depresión, era una fumadora empedernida y tomaba con asiduidad tranquilizantes.
Esta situación, además de desequilibrios que provocaban tensiones con otros intérpretes, le fue alejando paulatinamente de los primeros créditos de sus películas, en especial a partir de finales de los años 60.

Depresiva, consumiendo numerosos fármacos y sola, Gracita, una de las actrices más populares de la historia del cine español, falleció a causa de una insuficiencia respiratoria el 3 de abril del año 1995 en Madrid.
Tenía 66 años de edad.
Está enterrada en el Cementerio Sur de la capital de España.

Teatro

Peribáñez y el Comendador de Ocaña de Yolanda Pallín

Una nueva versión del clásico de Lope de Vega ‘Peribáñez y el Comendador de Ocaña’, de la mano de Yolanda Pallín, bajo la dirección de Eduardo Vasco.

La historia de Peribáñez y el Comendador de Ocaña es la del villano que se enfrenta al poderoso, que no cede ante el abuso de poder, la pérdida de su honor de marido deshonrado; algo impensable para la sociedad de la época en la que trascurre.

Argumento:

Durante la boda de Peribáñez y Casilda, el Comendador queda prendado de la labradora y se enamora de ella. Su pasión se vuelve obsesiva, y decide conquistarla a cualquier precio. Comienza tratando de engañar al labrador otorgándole honras, entregándole obsequios y finalmente enviándolo lejos del pueblo para poder aprovechar sus ausencias e intentar ganarse la confianza de Casilda, pero la recién casada no atiende a sus demandas. En una de estas ausencias, Peribáñez, que sospecha la traición y teme por su honor, regresa y se encuentra al Comendador dentro de su casa. En vez de arredrarse y ceder se enfrentará al poderoso provocando un sangriento final de difícil resolución.

Una adaptación mas ligera que la hace mas comprensible con los valores actuales, que aún subsisten algunos.

El contexto rural el labrador voluntarioso debe traspasar sus límites sociales para detener al representante del poder que, desmedido, amenaza su valor más preciado: el honor.

Peribáñez defiende algo que se nos antoja muy moderno pero que pertenece al ser humano como un valor universal: la dignidad personal.

 

 

Autor: Félix Lope de Vega

Intérpretes: Rafael Ortiz, Isabel Rodes, Alberto Gómez Taboada, Elena Rayos, José Ramón Iglesias, Francisco Rojas, José Vicente Ramos, Manuel Pico y Daniel Santos.
Compañía: Noviembre Compañía de Teatro
Dirección: Eduardo Vasco
Adaptación: Yolanda Pallín
Vestuario: Lorenzo Caprile.

 

Teatro

Día Mundial del Teatro

27 de marzo de 2021. Proclamado por  el Instituto Internacional del Teatro.  Desde 1961

Hoy se celebran en todo el mundo actos y eventos relacionados con la escena. Uno de los más importantes es el mensaje internacional por parte de una figura de talla mundial por invitación del ITI. En este mensaje, una persona de relevancia comparte sus reflexiones acerca de la cultura y el teatro.

La primera vez que se celebró el Día Mundial del Teatro, en 1962 fue el poeta, dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau quien pronunció el famoso Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro. Después, otros nombres destacado le siguieron como Arthur Miller, Laurence Olivier, Pablo Neruda, Richard Burton, Antonio Gala, Humberto Orsini, John Malkovich o Darío Fo.

Teatro

“El enfermo imaginario”

“El enfermo imaginario”

Molière  escribió en 1673 El enfermo imaginario  y resucita en el Teatro de la Comedia por  Josep María Flotats.

Tras costearse todos  los actores de su bolsillo unas PCR con el resultado negativo, actuaron, previo aviso sobre el escenario en la noche del estreno, a cara descubierta  con un ambiente un poco particular en el estreno, este fue el miércoles 18 de noviembre en el Teatro de la Comedia.

Josep María Flotats, haciendo de  Argán, vestía elegantemente de gris y blanco, acompañado con el elegante decorado de Ezio Frigerio y con el resto del vestuario  del elenco; Especial mención a , Anabel Alonso en su papel de Tonina, creado por el autor como si fuera para ella, la buena, avispada y decidida criada de Argán. Ella teje la estratagema que desmonta el plan tortuoso y egoísta de su amo -casar a su hija con un torpe matasanos para tener un médico en casa a su servicio, desenmascarando a su infiel y ávida esposa, Belina (pizpireta y maligna Lola Baldrich), y facilitando el camino para que la hija, Angélica (tierna y graciosa Belén Landaluce), pueda casarse con su verdadero amor. Pero el lío y los obstáculos para que todo llegue a buen fin son grandísimos, y el público seguimos con entusiasmo embebido el enredo y las dotes físicas de los actores en una representación de incesante trajín que desemboca en el disparatado final. 

Molière escribió en verso y en cinco actos El enfermo imaginario como una “comedia-ballet” que incluía música y danza. Pocas veces se ha visto así. La versión de Flotats y la buena traducción de Mauro Armiño, desplumada del verso, nos traen la acción y la palabra de una a la vez  de forma muy fluida que nos mantiene pegados al la butaca sin apartar la mirada de la escena. Un buen ejercicio para nuestros diafragmas que se ponen a prueba  por las risas junto a la buena calidad de las mascarillas que llevemos.

Reparto

Anabel Alonso
Lola Baldrich
Bruno Ciorda
Francisco Dávila
Josep María Flotats
Belén Landaluce
Arturo Martínez Vázquez
Joaquín Notario
Eleazar Ortiz
Alejandro Sigüenza

Rubén de Eguí

Si quieres reír has de ir… A verla.

Teatro

Señora de rojo sobre fondo gris

La Obra

Estamos en el verano y otoño de 1975 en España.  Nicolás un pintor que lleva tiempo sumido en una crisis de  creatividad desde que falleció de forma repentina su mujer,  es la “Señora del cuadro rojo”, era todo para él, desde entonces no ha podido volver a pintar. La hija mayor está en la cárcel por sus actividades políticas contra el régimen dictatorial, es en esas fechas cuando  se suma la enfermedad de su madre que la hija vivirá desde dentro de la prisión. Es la hija otro recuerdo permanente en la vida de su padre, que también ahora revive.

Critica

El teatro lleno hasta el gallinero, con pandemia esto es a la mitad del aforo como marca la Ley. Todos con su mascarillas como si estuviéramos en carnaval. Comienza la obra Sacristán como figura en plaza solo, todo el teatro para él, interrumpe la narración por unos tardíos espectadores ( en un lugar serio no entran) continua cuando los pollinos taconeando aposentan su nalgas en el asiento;  Pasa párrafo a párrafo por la adaptación de su admirado Miguel Delibes, alguien con prismáticos susurra, tiene los ojos vidriados,  y alguien le contesta , si esta refriado. ¿Está realmente resfriado o es otra cosa? yo no note ningún cambio en su voz, si los continuos cambios de voz en sus distintas modulaciones según el momento lo iba requiriendo, la obra dura 85 minutos y todo el tiempo como los mejores oradores te mantiene expectante por el cambio de modulación el cambio de ritmo, los silencios; todo un alarde de maestría que interpreta un papel que parece que ha sido hecho para él.

(Adaptación: José Sámano, José Sacristán e Inés Camiña)

Si la van a ver saldrán admirados.

 

Reparto

José Sacristán

Ficha artística

Adaptación: José Sámano, José Sacristán e Inés Camiña
Director Técnico: Manuel Fuster
Técnico de iluminación/sonido: Manuel Fuster y Jesús Díaz Cortés
Gerente Compañía / Sastra: Nerea Berdonces
Maquinista / Regidor: Juan José Andreu
Ayudante de Producción: Pilar López “Pipi”
Secretaria de Producción: Pilar Velasco
Coordinadora de producción: Cristina Lobeto
Administración: Eli Zapata
Voz de Ana: Mercedes Sampietro
Autor cuadro: Eduardo García Benito
Ayudante de dirección Inés Camiña
Sonido: Mariano García

Vestuario: Almudena Rodríguez Huerta
Escenografía: Arturo Martín Burgos
Iluminación: Manuel Fuster
Directora de producción: Nur Levi
Produce y dirige: José Sámano
Una producción de: Sabre Producciones, Pentación Espectáculos, TalyCual y AGM

 

Teatro

La señora Dalloway

Virginia Woolf  la autora

 

La obra:

Hace un recorrido de 24 horas en la vida de Clarissa Dalloway, desde que se levanta por la mañana y comienza a preparar una fiesta para su marido, hasta el momento de esa fiesta, por la noche. Marcado por las horas que toca la campana del reloj del Big Ben, por el tiempo que va pasando y que lleva a Clarissa a ir atrás y adelante en el tiempo de su vida. Todo ocurre en un solo día, dando la sensación de estar viviendo la trama en tiempo real.

Diversos personajes que formaron parte de su vida acudirán hoy a su memoria y, después, a su casa para la fiesta.

El personaje principal:

Clarissa es una mujer superficial y dependiente, al menos en apariencia, sumida  en una vida insustancial que ha sobrevivido a base de no mirar hacia atrás. La señora Dalloway es una mujer, dedicada a hacer felices a los demás, que ha tomado decisiones en su vida sin tener en cuenta lo que de verdad deseaba, cumpliendo los requisitos de una mujer maravillosa admirada por todo el mundo.

Crítica:

Fui al teatro por Blanca Portillo, que da gusta verla como se mueve y se mete en el papelInma Cuevas hace un muy buen trabajo con el personaje de Sally, sobresaliendo, junto a la actriz protagonista, sobre el resto del elenco; Menos mal que la obra dura solo hora y media, porque con el tapabocas  y todas las medida de seguridad plenamente implantadas y seguidas por un público amante del teatro que acudía con abanicos preparadísimos para ver y aguantar en un teatro con butacas estrechas y una calefacción que no atinan con la temperatura adecuada, como siempre los del gallinero con más calor que otra cosa, Esto sí que es amor por el teatro y no el de los actores.  A la salida comentarios de  gente que no se entero del argumento de la obra, claro con tanto va y viene en la línea argumental, así sale uno del teatro como la protagonista.

Ficha artística

Dirección:

Carme Portaceli

Reparto:

  • Jimmy Castro
  • Jordi Collet 
  • Inma Cuevas 
  • Gabriela Flores
  • Anna Moliner
  • Zaira Montes
  • Blanca Portillo
  • Manolo Solo 

Ficha artística:

De Virginia Woolf
Dramaturgia, Versión Michael De Cock, Anna M. Ricart y Carme Portaceli 

Diseño de escenografía Anna Alcubierre
Diseño de iluminación David Picazo
Diseño de vestuario Antonio Belart
Música original y espacio sonoro Jordi Collet
Coreografía y movimiento Ferran Carvajal
Diseño de vídeo Miquel Àngel Raió
Diseño de sonido Pablo de la Huerga 
Ayte. dirección Eva Redondo 
Ayte. escenografía Marta Guedan
Ayte. vestuario Cristina Crespillo
Estudiante en prácticas de dirección UCM Laura Fernández

 

Teatro

Premios Max 23 Edición

Premios Max de las artes escénica

Premios Max de las artes escénica

  1. Mejor espectáculo de teatro

  • Jauría de Kamikaze Producciones, S.L, Milonga Producciones, Zoa

P.T.C, S.L. y Hause & Richman Produccions, S.L.

  1. Mejor espectáculo de danza

  • Gran Bolero de Jesús Rubio Gamo, Teatros del Canal (Madrid Cultura

y Turismo, S.A.U.) y Mercat de les Flors.

  1. Mejor espectáculo musical o lírico

  • Doña Francisquita de Teatro de la Zarzuela – INAEM.

Acta del Jurado de Selección de Ganadores – XXIII Premios Max de las Artes Escénicas 2020 1

  1. Mejor espectáculo de calle

  • Al otro lado de Zanguango Teatro Producciones S.L.
  1. Mejor espectáculo para público infantil, juvenil o familiar

  • Zapatos nuevos de Tian Gombau – L’home dibuixat S.L.U.
  1. Mejor espectáculo revelación

  • El viento es salvaje de Las niñas de Cádiz, S.L.
  1. Mejor autoría teatral

  • Josep Lluís y Rodolf Sirera por Dinamarca.
  1. Mejor autoría revelación

  • Marta Arán por Els dies mentits (Todos los días que mentí).
  1. Mejor adaptación o versión de obra teatral

  • Jordi Casanovas por Jauría.
  1. Mejor composición musical para espectáculo escénico

  • Luis Miguel Cobo por Play.
  1. Mejor coreografía

  • Sara Cano por Vengo!
  1. Mejor dirección de escena

  • Andrés Lima por Shock (El Cóndor y el Puma).
  1. Mejor diseño de espacio escénico

  • Beatriz San Juan por Shock. (El Cóndor y el Puma).
  1. Mejor diseño de vestuario

  • Elisa Sanz por Play.
  1. Mejor diseño de iluminación

  • Pedro Yagüe por Play.

Acta del Jurado de Selección de Ganadores – XXIII Premios Max de las Artes Escénicas 2020 2

  1. Mejor actriz protagonista

  • Verónica Forqué por Las cosas que sé que son verdad.
  1. Mejor actor protagonista

  • Lluís Homar por La néta del Senyor Linh. (La nieta del Señor Linh).
  1. Mejor intérprete femenina de danza

  • Olga Pericet por Un cuerpo infinito.
  1. Mejor intérprete masculino de danza

  • Marco Flores por Origen.   
Cine, Teatro, Televisión

El Cuentacuentos

Cuando nos referimos al cuentacuentos hablamos del arte de contar historias para conectar con nuestros usuarios.

Pero ¿por qué es importante contar historias? Camilo Cruz, el autor del libro “El contador de historias”.  “Hay historias que provocan tristeza, otras que provocan risa, otras que provocan que se sientan identificados contigo o con lo que estás contando si se trata de algo ficticio… “En resumen, hay historias que conectan y eso es lo que tenemos que buscar cada vez que nos pongamos a teclear:

Llamar la atención de la persona que está al otro lado

Esto es importante porque la gente, pese a lo que podemos pensar, NO compra tu historia. Compra la emoción que le transmite, compra los valores de tu idea y lo que eso refleja.

 ¿Cómo usar el cuenta cuentos para venderte?

Esto puede parecerte muy complejo, pero en absoluto, solo tienes que decirle a tu audiencia por qué o en qué va a ayudarles lo que estás vendiendo y envolverlo en una historia para que llame su atención.

La historia no tiene por qué ser real, puede ser ficticia (déjalo muy claro siempre, hay que ser honesto con tu audiencia) pero evidentemente que tenga relación con lo que vendes y quieres comunicar.

De hecho, hay una situación muy curiosa y es que nuestros cerebros siguen programados para retener las historias más que cualquiera otra forma de información:

  • Cuando la información está presentada en forma de un hecho o una estadística, 5-10% de la gente la retiene.
  • Cuando la información está presentada en forma de una estadística y una historia, 25-30% de la gente la retiene.
  • Cuando la información está presentada en forma de una historia, 65-70% de la gente la retiene.

Cuando alguien te cuenta una historia, el cerebro la procesa y la relaciona inmediatamente con tu propia experiencia, y aumenta las posibilidades de que retengas esa información.

Puedes tener la idea más innovadora del siglo. Pero si no consigues importarle a nadie con tu historia, no lograrás llegar a nadie.

¿Solo para vender?

No tenemos por qué usarlo solo para vender, el cuentacuentos se basa en CONECTAR con la audiencia y transmitir de una forma correcta y que les deje huella.

Resumiendo en dos líneas cómo ha cambiado la forma de trabajar, pero contártelo en orden cronológico y desde mi experiencia, hará que las personas que estén en una situación similar, se sientan identificadas e interactúen conmigo.

Puedes poner en práctica el cuentacuentos, en todo lo que tu quieras o pretendas vender, puedes incluir tu historia personal (o una ficticia como la asesora de moda) para comunicarle a la persona que está leyéndote que tú has pasado por una situación como la que se encuentra y que por eso sabes perfectamente qué solución tiene o qué es lo idóneo para tomar acción.

¿Qué tiene que incluir el cuentacuentos?

  • 1º Los valores de tu historia
  • 2º Un elemento que desencadene emoción en tu público
  • 3º Un lenguaje basado en emociones
  • 4º Las virtudes que tienes como historia real, esas que te hacen diferente al resto
  • 5º Algo positivo que les aporte a tu público
  • 6º El enganche para enamorar a tu público hasta el punto que te prefiera entre el resto de historias de tu competencia.
Teatro

Divinas Palabras

José Carlos Plaza se alía con Ramón María del Valle-Inclán y pone en escenas

Divinas Palabras.

La pugna entre Marica del Reino y Mari Gaila por la posesión del niño bicéfalo que arrastran por ferias y romerías para conseguir dinero y el adulterio de esta última y los tremendos acontecimientos en los que desemboca conforman esta “Tragicomedia de al-dea” que “describe, a través de un pequeño núcleo, un pueblo animalizado, mezquino, inculto, al que mueven las pasiones y no la razón; exagerado, lúdico y muy manipulable por la falta de medios que su mente tiene para un mínimo discernimiento… Un espejo distorsionado de nuestra sociedad actual”, afirma el director, y añade: “Para mí describe la constante manipulación de un pueblo adocenado, castrado por falsas creencias ancestrales, que les asustan y paralizan”.

No en vano en este Valle nos enfrentamos al concepto de familia, como una unión forzosa usada como tabla de salvación, al del dinero, como único y auténtico dios, y al del orden establecido, corrupto y mezquino. Y dominándolo todo, la religión, la gran mentira.

 

Critica

Espectáculo trágico, en donde lo dramático, lo cómico y lo grotesco se aúnan en esta tragicomedia con reminiscencias de Goya y sus pinturas negra de los Disparates, de los horrores de la guerra en donde también bebieron Solana, Dalí y de toda una corriente española que llega hasta nuestros días, con Buñuel a la cabeza, en una auténtica paleta de colores, sonidos y sentimientos.

Obra de estudio en la enseñanza media como obligatoria y que vista en escena por la transformación y presentación de José Carlos Plaza, atrae despierta la sonrisa acongoja y entretiene. Dos horas de teatro de verdad, auténtico, sin máscaras

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Blog, Teatro

Juana, obra de teatro.

Montaje mezcla entre la danza, la actuación y el teatro de texto y en el que se indaga, a través de las figuras históricas de varias mujeres (la Papisa Juana, Juana de Arco, Juana la Loca, Sor Juana Inés de la Cruz y Juana Doña) y es por eso que la obra no hubiera estado mal si se hubiera llamado “Las Juanas o Juanas”.

Este gazpacho que estéticamente y visualmente resulta convincente, en todo lo demás, no. Y que a pesar de todo nos tiene entretenidos viendo como la actriz cebo de esta representación;  Aitana Sánchez-Gijón se mueve y se contornea por el escenario con cuatro bailarines-actores, ¿ o al revés?, que causa admiracíon como con sus figuras no precisamente esbeltas, se mueben como silfides de un baile clasico tradicional.

La obra dura 78 minutos contados, ¿ por qué será? lo digo por lo de contados, ¿Por qué ?.

Critica

Es un ballet, con texto, montado en cuadros, que son muy bonitos, la música las canciones las danzas, los actores, pero es que sale uno de la obra sin enterarse de que va y comentando que es la peor de la temporada, vamos que si me lo dicen y me lo cuentan antes, no voy.

“Juana”

Dramaturgia: Juan Carlos Rubio

Dirección artística y coreografía: Chevi Muraday

Reparto: Carlos Beluga, Chevi Muraday, Aitana Sánchez-Gijón, Maximiliano Sanford y Alberto Velasco

Textos: Juan Carlos Rubio, Marina Seresesky y Clarice Lispector
Asistente de Dirección: Manuela Barrero

Diseño de Escenografía: Curt Allen Willmer y Studio DeDos (AAPEE)

Diseño de Vestuario: Sonia Capilla y Chevi Muraday

Diseño de Iluminación: Nicolás Fischtel (AAI)

Música: Mariano Marín

Fotografía: Sergio Parra / Lighuen Desanto y Damián Comendador

Ayudante de producción: Julio Rojas y Clarisa García

Dirección de producción: Amanda R. García

Distribución: Charo Fernández – TraspasosKultur

Una coproducción del Teatro Español y Losdedae Compañía de Danza