Actores, Cine, Teatro

Gracita Morales

Recordada por su inconfundible voz atiplada y peculiar por su vis cómica la convirtieron en la actriz más popular de los años sesenta,

Esta aquí en esta sección por ser una estrella y poder decir que de su cine, lo era, por las circunstancias de la época un cine del llamado españolada, pero también fundamental para entender la España de los años 60 y 70″.

Nacida en Madrid el 9 de noviembre de 1928, Gracita Morales era hija del empresario del Teatro Calderón. Pese a que sus padres se oponían a que trabajase como actriz, y después de estudiar danza clásica, debutó a los 20 años como meritoria en la compañía de Luis Peña y Rosita Hernán. También formó parte del elenco de otras compañías, como las de Antonio Víco, Catalina Bárcena y Tina Gascó.

Dijo de ella el cabezón (Jose María Forqué); “Tenía un talento muy especial, y ni ella se daba cuenta”.

En el año 1960, Gracita se casó con el pintor, decorador y figurinista canario Martín Zerolo, con quien había iniciado un noviazgo en 1952.  la actriz madrileña era todo simpatía y alegría, en la vida real su fuerte temperamento originó conflictos en los rodajes.
Su vida personal se desmoronó con la ruptura de su matrimonio con Zerolo, que se vino abajo en la parte final de los años 60, hasta confirmarse en un divorcio en el año 1982.Muchas fueron las causas pero su imposibilidad de tener hijos esta entre una de las más fuertes
Gracita sufrió ansiedad y depresión, era una fumadora empedernida y tomaba con asiduidad tranquilizantes.
Esta situación, además de desequilibrios que provocaban tensiones con otros intérpretes, le fue alejando paulatinamente de los primeros créditos de sus películas, en especial a partir de finales de los años 60.

Depresiva, consumiendo numerosos fármacos y sola, Gracita, una de las actrices más populares de la historia del cine español, falleció a causa de una insuficiencia respiratoria el 3 de abril del año 1995 en Madrid.
Tenía 66 años de edad.
Está enterrada en el Cementerio Sur de la capital de España.

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Haz algo que te quite el sueno

Pikolin derriba uno de los últimos tabúes en torno a los mayores: el del sexo y el deseo.

Una pareja que peina canas. Las risas se entrelazan como sus cuerpos. Su piel deja ver el paso del tiempo pero también su complicidad y las ganas de pasarlo bien. De disfrutar de la vida y del deseo, de la ilusión y la pasión.

“Haz algo que te quite el sueño”,  derribar uno de los últimos tabúes en torno a los mayores: el del sexo. Como defienden este anuncio, lo importante en la vida es vivirla día a día con pasión y, para ello, no hay edad.

Pikolin ha puesto en marcha la iniciativa #ParejaApasionada con la que pretende inundar internet y las redes sociales de imágenes de mayores apasionados y demostrar que para la pasión, el amor y el sexo no hay edad. Ha llegado el momento de romper el tabú.

Cine

El formato anamórfico

 

Formato anamórfico, un formato utilizado en películas reconocidas por todos, un formato utilizado por grandes directores, y también, un formato con efectos muy singulares que seguro que has visto en muchas películas  y que a partir de leer este articulo lo vas a reconocer.

 

Este formato se graba con lentes anamórficas y tiene propiedades panorámicas muy destacadas. Tiene una relación 2,40:1, es decir, su anchura es 2,40 veces su altura. Es un formato que se lleva a cabo a través de celuloide. La increíble fascinación de la que presumen algunos directores cinematográficos sobre el formato anamórfico, como Christopher Nolan y Michael Bay, no reside sólo en su calidad óptica y visual sino en los resultados que se pueden conseguir, a nivel estético en su conjunto, también a nivel de efectos muy concretos… Hablando de los flares alargados y el bokeh ovalado.

Flares alargados  Bokeh convencional / Bokeh ovalado

Un repaso en el panorama cinematográfico encontramos gran multitud de cintas rodadas con lentes anamórficas en su totalidad o buena parte de la duración de ellas

Ejemplo de películas que han usado lentes anamórficas

  1. El Cid

Nos trasladamos a 1961 para enseñarte cómo el uso del formato anamórfico también se usó en el pasado.

“El Cid” es una película italoestadounidense que trata la vida de Rodrigo Díaz de Vivir (Cid Campeador).  En esta cinta analógica puedes ver a la perfección el efecto de bokeh ovalado del que te hablamos desde el comienzo del artículo.  Intuimos que hay un 99% de posibilidades de que ésta no la hayas visto.

  1. Star Trek: en la oscuridad (Star Trek: into darkness)

Este film dirigido por J.J Abrams es la duodécima entrega de la franquicia de Star Trek. Se estrenó en 2013 y se caracteriza por un gran uso del efecto flare característico del formato anamórfico.

En ella podrás encontrar también el bokeh ovalado en los atractivos fondos desenfocados dentro de su campo de visión panorámico.

  1. Apocalypse Now

En la mítica cinta “Apocalypse Now” de Francis Ford Coppola podrás ver con todo detalle el gran uso de los efectos producidos por las lentes anamórficas.

Un film estadounidense que se estrenó en 1979 y que fue galardonado con dos Oscars: mejor fotografía y mejor sonido, además de poder presumir de otras seis candidaturas.

  1. El Caballero Oscuro (The Dark Knight)

La exitosa secuela de la película Batman Begins, co-escrita, dirigida y producida por Christopher Nolan, un fiel admirador del formato anamórfico, también destaca en su estética por las aberraciones muy bien aprovechadas de las lentes anamórficas.

  1. Mátalos suavemente (Killing them softly)

El film “Mátalos suavemente”, estrenado en 2012 y protagonizado por Brad Pitt y dirigida por Andrew Dominik, hace un excelente uso del formato anamórfico.

En esta película se puede ver perfectamente el bokeh ovalado, el desenfoque y las típicas distorsiones en los bordes. Para concretar, esta escena fue grabada a máxima apertura de diafragma (una forma de acentuar aún más el efecto).

  1. Super 8

La película con título “Super 8” y estrenada en 2011, del director J.J.Abrams (el mismo que Star Trek: en la oscuridad) y además producida por Steven Spielberg, es quizás uno de los mejores ejemplos del uso estético de los flares alargados.

  1. El truco final (The prestige)

Y de nuevo Christopher Nolan  usa los efectos y aberraciones producidos por las lentes anamórficas de una manera estética y con sumo gusto y elegancia en esta cinta.

Protagonizada por Christian Bale y Hugh Jackman, “El truco final” se estrenó en 2006 y recibió dos nominaciones en los Óscar a mejor fotografía y mejor dirección artística.

  1. Alíen

La película “Alíen” del director de fotografía Derek Vanlint explota al máximo las posibilidades creativas y estéticas de los flares alargados y horizontales tan característicos de este formato.

  1. Transformers

Y aquí volvemos a encontrar a algunos de los grandes amantes del formato anamórfico. Transformers está dirigida por Michael Bay y producida por Steven Spielberg y comparte junto con Alíen un gran uso de los flares alargados que colaboran en gran medida en la estética final del film.

  1. Interestelar

Y ahora sí, llega la referencia más reciente. Si no has visto ya, te animamos a que no le des más vueltas y veas “Interestelar”, dirigida y escrita por los hermanos Nolan.

Aquí Nolan rodó algunas de sus escenas en formato anamórfico.

 

De blog.foto24.com

 

Entre Visillos

Datos que te quitarán las ganas de ver pornografía

Los resultados de un estudio estadístico llevado a cabo por la agencia de filtrado de internet Covenant Eyes, datos que quizás te quitarán las ganas de invertir tu tiempo en mirar porno.

Según las estadísticas, 66 por ciento de los actores de películas para adultos padecen de herpes, 28 por ciento tienen o han tenido alguna enfermedad de trasmisión sexual, y 7 por ciento de ellos y ellas tienen VIH.

La mayor parte de las actrices porno abusan de las drogas —sobre todo mariguana, éxtasis y cocaína— con el fin de evadirse y así soportar la vergüenza, el dolor, el trato violento y las humillaciones de que son objeto durante las filmaciones.

De igual modo, un alto porcentaje de ellas sufre de depresión o de trastorno limítrofe de la personalidad.

Aproximadamente 88 por ciento de las escenas pornográficas contienen algún tipo de agresión física —nalgadas, cachetadas, sofocación—, y 49 por ciento incluye agresiones verbales.

Estadísticamente, el consumo habitual de pornografía se asocia con problemas como: tensiones maritales y tendencia a la separación o divorcio; incapacidad de relacionarse sanamente con el sexo opuesto; infidelidad; deseo de tipos más explícitos o violentos de pornografía; aumento en el deseo de actividades sexuales ilegales, de riesgo o que implican abuso; percepción disminuida del valor del matrimonio y la monogamia; adicción al sexo y conducta sexual compulsiva.

La exposición continua y prolongada a la pornografía tiene efectos psicológicos como: una percepción exagerada de la actividad sexual, disminución de la confianza en tu pareja, pérdida de la esperanza en la monogamia, la creencia de que la promiscuidad “es lo normal”, desvalorización del amor de pareja, y pérdida del interés en el compromiso, las relaciones a largo plazo, la familia y la crianza de los hijos.

Teatro

Peribáñez y el Comendador de Ocaña de Yolanda Pallín

Una nueva versión del clásico de Lope de Vega ‘Peribáñez y el Comendador de Ocaña’, de la mano de Yolanda Pallín, bajo la dirección de Eduardo Vasco.

La historia de Peribáñez y el Comendador de Ocaña es la del villano que se enfrenta al poderoso, que no cede ante el abuso de poder, la pérdida de su honor de marido deshonrado; algo impensable para la sociedad de la época en la que trascurre.

Argumento:

Durante la boda de Peribáñez y Casilda, el Comendador queda prendado de la labradora y se enamora de ella. Su pasión se vuelve obsesiva, y decide conquistarla a cualquier precio. Comienza tratando de engañar al labrador otorgándole honras, entregándole obsequios y finalmente enviándolo lejos del pueblo para poder aprovechar sus ausencias e intentar ganarse la confianza de Casilda, pero la recién casada no atiende a sus demandas. En una de estas ausencias, Peribáñez, que sospecha la traición y teme por su honor, regresa y se encuentra al Comendador dentro de su casa. En vez de arredrarse y ceder se enfrentará al poderoso provocando un sangriento final de difícil resolución.

Una adaptación mas ligera que la hace mas comprensible con los valores actuales, que aún subsisten algunos.

El contexto rural el labrador voluntarioso debe traspasar sus límites sociales para detener al representante del poder que, desmedido, amenaza su valor más preciado: el honor.

Peribáñez defiende algo que se nos antoja muy moderno pero que pertenece al ser humano como un valor universal: la dignidad personal.

 

 

Autor: Félix Lope de Vega

Intérpretes: Rafael Ortiz, Isabel Rodes, Alberto Gómez Taboada, Elena Rayos, José Ramón Iglesias, Francisco Rojas, José Vicente Ramos, Manuel Pico y Daniel Santos.
Compañía: Noviembre Compañía de Teatro
Dirección: Eduardo Vasco
Adaptación: Yolanda Pallín
Vestuario: Lorenzo Caprile.

 

Teatro

Día Mundial del Teatro

27 de marzo de 2021. Proclamado por  el Instituto Internacional del Teatro.  Desde 1961

Hoy se celebran en todo el mundo actos y eventos relacionados con la escena. Uno de los más importantes es el mensaje internacional por parte de una figura de talla mundial por invitación del ITI. En este mensaje, una persona de relevancia comparte sus reflexiones acerca de la cultura y el teatro.

La primera vez que se celebró el Día Mundial del Teatro, en 1962 fue el poeta, dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau quien pronunció el famoso Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro. Después, otros nombres destacado le siguieron como Arthur Miller, Laurence Olivier, Pablo Neruda, Richard Burton, Antonio Gala, Humberto Orsini, John Malkovich o Darío Fo.

Televisión

Las parrillas de televisión causantes de dormir poco

La falta continua de sueño se ha asociado estrechamente con hipertensión, ataques cardíacos y accidentes cerebrovasculares, obesidad, diabetes, depresión y ansiedad, disminución de la función cerebral, pérdida de memoria, un sistema inmunitario más debilitado, tasas de fertilidad más bajas y trastornos psiquiátricos.

Una parrilla de programación o grilla de programación es en el ámbito de los medios de comunicación, en particular en la televisión y la radio, es el conjunto de programas de una emisora ​​durante un período determinado. Es importante resaltar que la parrilla se ejecuta de manera aleatoria por motivos de marketing o parecidos intereses.

¿Qué clase de formatos forman parte de la parrilla?

Los más comunes son:

  • Series de televisión. Se estructuran en temporadas con un número concreto de capítulos.
  • Su horario es innegociable. Se suelen dar a las tres de la tarde y a las nueve de la noche, aunque también hay canales que los avanzan una hora.
  • Películas. Lo normal es escoger aquellas que duran menos de dos horas. También acostumbran a televisar las dedicadas exclusivamente a televisión que tienen una duración aproximada de 80 minutos.
  • Acostumbran a ser de producción propia y, además, son los que terminan estableciendo el estilo de la cadena.

¿Quién es el responsable de diseñar la parrilla?

El programador, bajo los consejos de la dirección de la cadena. Dependiendo de si se trata de un canal público o privado, se observa siempre la preeminencia de la producción propia o de los informativos. Hay que tener en cuenta el horario de prime time (los de máxima audiencia) para encajar ahí los programas que puedan tener más audiencia.

¿Cuáles son las circunstancias que marcan el diseño de la programación?

Se pueden concretar de la siguiente manera:

  • El perfil del canal. Dependerá si se trata de uno generalista o técnico. El primero, destaca porque cada formato marca el carácter del canal. Las cadenas públicas muestran una programación más relacionada a la información combinada con entretenimiento. Las privadas apuestan por la opción contraria. Los canales especializados en un tema concreto tienen el beneficio de ser, normalmente, de pago y de contar con una publicidad concreta.
  • Económicos. Si se trata de una empresa privada, son los más importantes, ya que se busca siempre el máximo rendimiento. La publicidad es su única entrada de dinero y de su gestión depende el futuro de la cadena.
  • Políticos. No hay que pasar por alto que las cadenas públicas se convierten, muy a menudo, en un comodín de vital importancia para los políticos. La inclinación del canal también genera audiencia por lo que resulta imprescindible explicarla de una manera eficaz.
  • La competencia. La parrilla ha dejado de ser un elemento fijo para convertirse en flexible. De hecho, acostumbra a cambiarse el mismo día dependiendo de lo que hagan los competidores. Generalmente, se trata de nuevos formatos que puedan restarle audiencia a otro canal o de cambios de día de una serie o de una cápsula programática.
  • La audiencia.No deja de ser la finalidad básica. Según sus movimientos, se generan los cambios oportunos para conseguir una gran fidelización.

La hamaca de la programación (El hammocking)

técnica usada por los programadores. Consiste en colocar un programa de poca relevancia entre dos que tienen mucha audiencia. En ocasiones, funciona de forma muy importante.

La audiencia sigue siendo la que va perfilando sus programas favoritos y cambiando, de forma implícita, la programación. Así, los programadores se ven obligados a poner en marcha distintas técnicas que permitan preservar la identidad del canal. Sirva todo lo anterior para comprender mucho mejor la lucha continua por obtener que se escoja un canal concreto según el tiempo libre de cada persona.

Después de esta clase breve de la televisión, también podríamos incluir la radio, pero el fin de este capítulo es concienciarnos de que los programadores de las televisiones son sin duda los responsables de que se pase sueño y no durmamos lo suficiente, no solo la pandemia y los efectos secundarios que esta tiene.

Aprendamos a apagar la televisión para dormir y si nos gusta un programa gravémoslo o mejor no lo veamos, dormir bien y las horas suficientes es más importante.

Cine

Los fundidos

La inmensa mayoría de los planos de cualquier película se unían entre sí al corte: acaba uno y empieza otro, sin más. Sin embargo muy pronto se empezó a experimentar con otras formas de pasar de un plano al siguiente. Algunos de esos efectos del cine mudo nos resultan excesivos en la actualidad, aunque como experimentos tuvieron su utilidad.

El fundido a negro es el recurso más antiguo. Lo hacemos nosotros cuando cerramos los ojos, estamos haciendo un fundido a negro, mientras el cerebro funciona, hasta abrir de nuevo los ojos. Es un oscurecimiento de la pantalla al que seguirá una apertura para iniciar la fase siguiente. Muchas veces implica el paso de un periodo largo de tiempo.

En el fundido en blanco, o en cualquier otro color, el plano se traza cada vez más blanco, hasta que se traza el blanco total en la pantalla; es el contrario del fundido en negro (véase) y se denomina también cerrar en blanco (o en otro color).

En el fundido encadenado, la última imagen del plano se va disolviendo mientras, en sobreimpresión, se va afianzando la primera imagen de plano siguiente.

También se utiliza el barrido, cuando la cámara se mueve a toda velocidad de un objeto a otro, o las cortinillas, cuando las imágenes se desplazan hacia un lado o hacia arriba o abajo.

Aunque normalmente se realizan en el laboratorio, algunos fundidos se pueden lograr con la cámara durante el rodaje manipulando el diafragma y obturador en el momento que se quiera el efecto. Por ejemplo para un fundido a negro cerraríamos el obturador progresivamente y para un fundido a blanco lo abriríamos.

Para separar las distintas parte, secuencias, el cineasta ha de recurrir a diferentes pasos y elementos de paso, llamados cortes cuando se hacen directamente Son las transiciones, un recurso tan antiguo como el cine mudo, que debió inventar un modo de que no se notara cuando se cambiaba la película de la cámara. Con el fin de no cortar la acción se utilizaron cortes que no solamente no impedían la comprensión de la historia sino que facilitaban la comprensión, permitían extenderla en el tiempo y creaban una estética diferente. Con el tiempo, constituyeron uno de los elementos más importantes del lenguaje cinematográfico.

 En Memoria de las victimas del 11 M, siempre en el corazón

Cine

Lista completa de películas nominadas a los Premios Goya 2021

Premios Goya 2021

Mejor película

Las niñas

Mejor dirección

Salvador Calvo, por Adú

Mejor dirección novel

Pilar Palomero, por Las niñas

Mejor actriz protagonista

Patricia López Arnaiz, por Ane

Mejor actor protagonista

Mario Casas por No matarás

Mejor actriz de reparto

Nathalie Poza por La boda de Rosa

Mejor actor de reparto

Alberto San Juan por Sentimental

Mejor actriz revelación

Jone Laspiur por Ane

Mejor actor revelación

Adam Nourou por Adú

Mejor guion original

Pilar Palomero por Las niñas

Mejor guion adaptado

David Pérez Sañudo y Marina Parés Pulido por Ane

Mejor dirección de producción

Adú

Mejor dirección de fotografía

Daniela Cajías por Las niñas

Mejor montaje

Sergio Jiménez por El año del descubrimiento

Mejor dirección artística

Mikel Serrano por Akelarre

Mejor diseño de vestuario

Nerea Torrijos por Akelarre

Mejor maquillaje y peluquería

Akelarre

Mejor sonido

Adú

Mejores efectos especiales

Akelarre

Mejor música original

Maite Arrotajauregi y Aránzazu Calleja por Akelarre

Mejor canción original

“Que no, que no”, de María Rozalén, por La boda de Rosa

Mejor película de animación

La gallina Turuleca

Mejor película documental

El año del descubrimiento

Mejor película iberoamericana

El olvido que seremos (Colombia)

Mejor película europea

El padre (Reino Unido)

Mejor cortometraje de ficción

A la cara

Mejor cortometraje documental

Biografía del cadáver de una mujer

Mejor cortometraje de animación

Blue & Malone: Casos imposibles

Goya de Honor

Ángela Molina

Cine, Televisión

Palmarés de los Premios Feroz 2021

Todos los ganadores en la noche del cine español

 Los Globos de Oro españoles, ya que la votación está en mano de críticos e informadores del cine

 

Han tenido lugar en la noche de este martes 2 de marzo en el Teatro Coliseum de Madrid, en la Gran Vía

Los otorga la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), reconocen lo mejor de las series y del cine español. Los periodistas especializados en cine son los encargados de otorgar los premios en un evento que ha tenido que adaptarse a la nueva realidad creada por la pandemia del coronavirus

Los ganadores son:   pincha en el enlace de la foto

Los ganadores de los PREMIOS FEROZ 2021
Los ganadores de los PREMIOS FEROZ 2021
Televisión

El amor está en el aire

Saben aquello de “Entre todos la Mataron y ella sola se murió” En ocasiones se achaca a una sola persona o a una única causa el daño producido por muchas, un daño que ya no se puede remediar. Se emplea cuando nadie desea asumir la parte que le corresponde de responsabilidad de algún suceso infausto, en cuyo resultado han contribuido varios factores.

Esto viene muy bien a colación de esta serie turca que los compradores de cinco televisiones pensaron que iba a ser una tabla de salvación una telenovela como las de antes.

Personajes muy guapos todos, decorados escogidos con refinamiento buen gusto y por decoradores imitando al gusto occidental, de hecho, no parece una historia de ese país, podía pasar perfectamente por una narración de cualquier país sudamericano.

Historia;  Dos jóvenes que se quieren, pero no lo saben y no termina de cuajar la relación, el calificar de ñoña a esta historia me parece poco, me parece mas propia de unos años de dictadura pasados ya en nuestro país. No aborda problemas actuales de la juventud ni de su país y menos del nuestro, solo habla de los problemas intrascendentes que no llevan a  nada mas que a un público que se ha identificado de alguna manera con alguno de los protagonistas, el más minoritario.

El maltrato que la cadena Telecinco esta haciendo con los continuos cambios de programación es otra de las causas de la falta de enraizamiento, y han dicho; “de perdidos al rio, hemos comprado tantos capítulos, vamos a ponerlos, pero priorizando los programas de mayor audiencia”, y me pregunto ¿es que alguien experto no visualizo los capítulos y vio que esta serie no pegaba en nuestro país pandémico ni con cola? increíble metedura de pata.

Actores, Blog

María Casares La estrella española que iluminó las tablas francesas

Estrella Española que brilló e iluminó a Francia

Anne Plantagenet, rescate, un cuarto de siglo después de su muerte, la figura de la actriz gallega, idolatrada en el país vecino y que, tras cultivar las grandes obras de la cultura española, se sintió ninguneada en el regreso a su tierra. Francia considera a la actriz gallega como una heroína nacional francesa.

María Victoria Casares Pérez (La Coruña, 21 de noviembre de 1922 – AlloueFrancia22 de noviembre de 1996) María Casares nació en La Coruña el 21 de noviembre de 1922. Era hija de Santiago Casares Quiroga, político y abogado que llegaría a ser presidente del Consejo de Ministros durante la Segunda República hasta su dimisión en julio de 1936, tras la sublevación militar. 

La carrera política de Casares Quiroga provoca el traslado de toda la familia a Madrid en 1931. Es una experiencia traumática. “Sentí más el exilio de Galicia a Madrid que el de España a Francia”, contará en Residente privilegiada, su libro de memorias. En la capital, la joven recibe una formación de vanguardia, en contacto con las élites de la República. Son años en los que comienza a forjarse su pasión por el teatro. Debuta en la escena parisina con el montaje Deirdre des douleurs. La actuación de la joven actriz no pasa inadvertida para la crítica. El flechazo con los escenarios es inmediato. Pierde a su madre en 1945 y a su padre cinco años más tarde, en 1950.

Nací en noviembre de 1942 en el teatro Les Mathurins”. María Casares debuta en la escena parisina con el montaje Deirdre des douleurs. La actuación de la joven actriz no pasa inadvertida para la crítica. El flechazo con los escenarios es inmediato. María no dejará nunca de vivir entre candilejas. “Encuentro que el teatro es vivir por diez o por cien, pero no se puede separar la vida del teatro”.

En 1976 regresa a España con la obra El adefesio, de Rafael Alberti. María deslumbra en Madrid y Murcia, pero el montaje no acaba de ganarse el favor del público. Por si fuera poco, en Barcelona, la actriz enferma y se suspende la gira. El esperado regreso ha tenido un final amargo. Volverá a España, pero siempre con obras francesas, y no pisará Madrid ni Galicia.  En 1978 se casa con el actor alsaciano André Schlesser. Recluida en su finca La Vergne, María repasa su vida y escribe las citadas memorias, Residente privilegiada (título que alude a su estatus en la tarjeta de residencia original emitida por Francia), publicadas en 1980. En ellas rememora la relación que mantuvo con personajes como Camus, Jean-Paul Sartre, Jean Cocteau o Pablo Picasso.

El 22 de noviembre de ese mismo año fallece en su finca de Alloue, donada a la República Francesa para instaurar en ella una escuela de teatro. La “residente privilegiada” cerraba así su última etapa. “Vivir es sentir, sin amarguras, todas las edades, hasta que llega la muerte”.

Homenaje a una gran estrella y a la multitud de exiliados españoles de todos los tiempos.

¡Que acaben ya los exiliados españoles!

 

Extracto de ABC y número 627 de la revista Historia y Vida