Teatro

Teatro Clásico de Sevilla: Luces de Bohemia De Ramón María del Valle-Inclán

Esta obra de teatro arremete contra toda una sociedad.

Luces de Bohemia es un ataque feroz contra la España de su época. Integra el expresionismo, y se plantea como un movimiento de rebeldía.

Luces de Bohemia es el mejor esperpento de este autor, en el que se mezclan la visión del mundo bohemio, literario, y la realidad revolucionaria de su tiempo.
Obra que revolucionó el teatro.
Se inaugura con ella un género nuevo: el esperpento, que rompe con las convenciones escénicas anteriores.
Representa la problemática del artista moderno y su trágica lucidez.
Es modernidad en estado puro: el teatro del absurdo de postguerra. Se adentra en la condición humana, la alienación del hombre moderno….
Se puede afirmar que en pleno siglo XXl se ha convertido en un clásico de la literatura. En este sentido, no debemos olvidar que Valle Inclán no dejó de manifestar lo mucho que le debía a la literatura del Siglo de Oro español, y en especial a autores como Calderón, Cervantes y más aún, a Quevedo, con quien tenía especial afinidad intelectual.

Luces de Bohemia es un viaje a la muerte.

Luces de Bohemia es Max Estrella, el visionario poeta ciego, que en su propio vía crucis se arrastra hasta el último aliento.

Los personajes viven, sufren, aman… son verdaderos. Verdad teatral. Desde la deformación cóncava.

La palabra, la fuerza de la palabra de Valle, como ladridos, o cuchilladas, caricias, lametones, aullidos… la trabajamos hasta la extenuación… hasta encontrar esa sinfonía sonora.

Esperpento como expresionismo hispano. Realismo borracho de tinto peleón.

Teatro Clásico de Sevilla

 

REPARTO

ROBERTO QUINTANA: MAX ESTRELLA

MANUEL MONTEAGUDO: DON LATINO

JUAN MOTILLA: SIMÓN, ZARATRUSTRA, VALLE INCLÁN…

ANTONIO CAMPOS: PICA LAGARTOS, DON GAY, CLARINITO…

JUANFRA JUAREZ: REY PORTUGAL, SERAFÍN, FILIBERTO…

JOSE LUIS BUSTILLO: DORIO DE GADEX, BORRACHO, PRESO…

AMPARO MARÍN: MADAME COLLET, MINISTRA, VIEJA…

REBECA TORRES: PISA BIEN, VECINA, GUARDIA, UJIER…

SILVIA BEATERIO: CLAUDINITA, CHICA, CHICO, CLARINITO..

FICHA ARTÍSTICA Y TÉCNICA

Dirección y versión: Alfonso Zurro (ADE)

Producción: Juan Motilla y Noelia Diez

Diseño de escenografía y vestuario: Curt Allen Wilmer (AAPEE)

Diseño de iluminación: Florencio Ortiz (AAI)

Música, espacio sonoro: Jasio Velasco

Realización vestuario: Rosalía Lago

Ayudante de dirección: Verónica Rodríguez

Ayudante de vestuario y escenografía: Mar Aguilar

Diseño gráfico: Manolo Cuervo

Fotografía: Luis Castilla

Maquillaje y peluquería: Manolo Cortés

Equipo técnico: Tito Tenorio, Antonio Villar, Rafael Calderón

Realización escenografía: Mambo, Teatro Clásico de Sevilla

Distribución y comunicación: Noelia Diez

Duración: 125 minutos

Actores, Teatro

Concha Velasco Premio Max de Honor

Premio Max de Honor, para Concha Velasco por una vida dedicada al teatro

Concha Velasco nuestra Santa Teresa de Jesús recibe el premio Max de Teatro por toda una carrera dedicada a la interpretación en el teatro , el cine y la televisión.

Al recibir el premio ha recordado una frase ilustre de su personaje de Santa Teresa;  “nada te turbe, nada te espante, todo se pasa”, ha recitado al recogerlo.

Pilar Jurado la presidenta de la SGAE se lo ha entregado en su ciudad natal, Valladolid, sobre el escenario del mítico Teatro Calderón.

En su dilatada carrera ha recibido muchos premios, pero este era especial para ella porque este era por su trayectoria teatral.

Concepción Velasco Varona, más conocida como Concha Velasco y antes como Conchita Velasco (Valladolid, 29 de noviembre de 1939), es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española.

https://es.wikipedia.org/wiki/Concha_Velasco

Televisión

CÓMO VENDER UN PROYECTO DE TELEVISIÓN.

EL CREADOR

 Llevar la  idea a una productora pequeña, que será más accesible. Es prácticamente imposible vender una idea directamente a una televisión.

 

UNA PEQUEÑA PRODUCTORA

Una productora de tamaño mínimo puede estar formada por varios profesionales (¡que se lleven bien!) que sean capaces de tocar varios palos: escribir, iluminar, grabar, editar, producir… ya que si se consigue producir un programa con poca gente, los sueldos pueden ser más altos e incluso dignos. Por supuesto, hay que tener a raya los gastos fijos. En esta estructura, el autor de la idea original probablemente trabajará en equipo para sacarla adelante, aunque conozco programas en emisión hechos ¡por una sola persona!, y varios hechos por cuatro personas muy polivalentes que han formado una cooperativa y trabajan como leones.

 

EL PILOTO MEJOR QUE EL PAPEL

Si es posible que la idea se convierta en un piloto, siempre será más fácil de vender que la idea en papel. No es necesario que el piloto sea caro, pero tiene que conseguir explicar el proyecto mejor que un dossier en papel: un vídeo explicativo puede bastar. De la mano de esta productora ya puede ser ofrecido el proyecto a una televisión.

 

¿DÓNDE VENDER?

El cliente potencial de las productoras pequeñas son las nuevas cadenas de televisión surgidas tras la implantación de la TDT, que no son clientes adecuados para las grandes productoras especializadas en productos caros y complejos. Las pequeñas productoras deben de aprovechar la oportunidad de negocio que plantea un mercado necesitado de contenidos a bajo precio que las grandes productoras no pueden ofertar. Tener pocos gastos fijos es una fortaleza enorme en esta nueva época de la televisión digital. Gracias a nuestra red de conocidos podremos orientarnos sobre cuanto se paga la hora de emisión en cada cadena, dependiendo del horario.

 

¿QUÉ VENDER?

Las televisiones “grandes” suelen comprar programas “grandes” (aunque cada vez van rellenando más con programas “pequeños”) que interesen a todas las generaciones con idea de conseguir la mayor cantidad posible de espectadores. Pero las televisiones pequeñas se adaptan a los gustos de una audiencia cada vez más segmentada: no es lo mismo venderle algo a Nova que a Intereconomía, porque sus espectadores son distintos. En vez de pensar en el programa que nos apetecería hacer, hay que plantearse ¿quién me puede comprar este proyecto? ¿para qué cadena es más adecuado?. E incluso mejor, estudiar las necesidades de cada cadena: hacer un listado de los programas que emite, visionarlos, analizar los programas que han retirado antes de tiempo, fijarse en los que repiten hasta la saciedad (son más rentables para ellos), decidir los que podríamos hacer nosotros y cuanto nos costaría. También podemos tomar como ejemplo los programas que triunfan en las cadenas grandes e intentar adaptarlos a bajo coste para las cadenas pequeñas. Cada temporada está de moda un tipo de programas distintos: concursos, reportajes, realities, etc.

 

¿A QUIEN VENDER?

¿Cómo se contacta con una televisión? Después de conseguir el nombre del responsable de compras de cada cadena (mediante Internet o preguntando) hay que echar mano de la agenda de contactos de cada uno para conseguir una cita. No desdeñar ningún medio lícito para conseguir una entrevista, porque enviar por correo a alguien que no se conoce un proyecto en papel o video acompañado de una carta es como tirarlo a la basura. Puede suceder que tengamos un buen contacto para que nos reciban en una televisión determinada y no es la más adecuada para nuestro proyecto actual: no desperdiciemos el contacto y pensemos en un proyecto que le encaje a esa cadena.

Extractado del blog:  www.chicadelatele.com

Cine

Cien Años de perdón

Película de acción, de amistad y compañerismo, de personas al límite que debe arriesgarse empleando  audacia para salir adelante, una pequeña reflexión de acontecimientos en la  España de hoy.

  Dirigida por Daniel Calparsoro (Combustión, Invasor, Ausentes) y escrito por el guionista Jorge Guerricaechevarría (Las brujas de Zugarrarmurdi, Celda 211, La caja Kovak).

Encabeza el reparto protagonista Luis Tosar (El desconocido, El Niño, Musarañas), junto a los actores Raúl Arévalo (La Isla mínima, Los amantes pasajeros), Marián Álvarez (La herida, La Duquesa), Patricia Vico (Perdona si te llamo amor, Frágiles), Rodrigo de la Serna (Crónica de una fuga, Diarios de motocicleta) y José Coronado (No habrá paz para los malvados, La vida mancha).  Pero que desde mi punto de vista toca de refilón, pues saca partido de forma tímida,  se basa en el refrán español “quien roba a un ladrón tiene 100 años de perdón” y vamos nosotros y nos ponemos de parte del ladrón que roba al Ladrón de guante blanco, por aquello de que los “pobres” lo hacen para…vivir sin dar ni palo a pesar de que luego reconozcan los dos protagonistas que la mujer con la que se liaron les desplumo y que por eso se ven en la necesidad de tener que dar este golpe…y encima más tarde se descubre que han sido utilizados por el poder para hacerse con el disco duro de un corrupto con información muy comprometida para dirigentes de primer nivel y que está  internado en la UVI del Hospital. 

No les destripo más. Es una película que te mantiene continuamente pendiente de la pantalla, que te hace entregarte en la trama que se desarrolla honestamente y de forma paralela va guiando acompañando y entreteniendo al espectador, no sé porque la han calificado no apta a menores de 12 años tan solo hay varias escenas de violencia, ven más violencia hoy en día en algunas series de dibujos animados.

Qué pasa con el cine español que no se atreve a tocar mas temas actuales y conflictivos de radiante y perenne actualidad y por desgracia que no caducan y que atraen al espectador arto ya de tanta comedia llana, cuando se está  demostrando que las tramas los friler  son muy bien acogidos por el espectador que está deseoso de ver sus problemas reflejados y bien tratados como en esta cinta.

Hoy es noticia de la imputación en un caso de corrupción de un Productor muy importante…será esta una de las razones que no se aborden más películas como esta.  Se lo dejo a su meditación, y les conmino a que vayan, pasaran un agradable rato viéndola y luego si van en compañía comentándola.

Cine

La crisis del Cine

 

¿El cine tiene crisis?.

La última vez que fui a una sala de cine en un gran centro comercial, ¡cómo no! eran unos cines con multitud de películas para ver había que pasar  por unas interminables pasillos bordeados de cintas que hacían circulo para llegar a unas taquilleras embutidas en sus escaparates de cristal brindado como cajeras de banco, que mediante unos altavoces le comunicabas la película la sesión y la fila mas orientativa que tenían, hasta amablemente dio la vuelta al monitor para que vieras las butacas vacías que quedaban y tú mismo dijeras en donde querías sentarte;  Una vez despachado salías por un lateral y te adentrabas en el local franqueado por cintas y en un hueco por donde pasar dos jóvenes que tenían como función entre otras recortarte la entrada y decirte –“Al fondo a la derecha, muchas gracias”, te encaminabas a esa dirección pasando antes por los aseos (soy de los de ir al pis antes del pase de película);  Y de seguido te encaminabas a la sala una sala construida al borde de una ladera escalpada que te hacia subir hasta la fila 10 asiento 4… Te sientas y contemplas desde lo alto del altozano el fondo blanquecino de la pantalla con sonidos que salen de los altavoces de acordes roqueros ochenteros y por debajo todo el suelo que se adivina enmoquetado y que está sembrado de maíz y de manchas de refresco de cola, y a alguien se le escapa la frase ¡Que guarra es la gente!.

Comienza la proyección de la película después de los pequeños minutos de publicidad de la propia sala y de los pocos patrocinadores que aun colocan sus reclamos en salas de cine y empiezan a llegar en manada los tardíos come palomitas que mitad ciegos mitad atontados tratando de no pisarte lo hacen con mas arte aun. Todo en aras de ir al cine a ver una película Española de risa y de tópicos vascos y andaluces, risas de muchos y críticas de algún que otro “quiero ser entendido y a mí me ha traído la mujer a la fuerza pero yo a hacerme el listín-criticón”.

Termina la película con algún que otro con los pantalones por la rabadilla del trasero por ahorrar en cinturones y venir al cine… (de las risas y bailes que se hizo en la butaca).   Salimos como manada camino de la libertad, directos a la vela del cielo estrellado de la noche madrileña, eso sí con un ágil “me pongo la rebeca o americana, para otros que hace fresquito”,  para los más valientes, o frío para los realistas o ¡achus! para los sin palabras, pero de los que echan perdigones y te dan en la nuca o en donde caen, porque no les dio tiempo ni a mano ni a retal. Te vas a casa con menos dinero y palomitas entres los dientes.

¡Esto de venir al cine es muy divertido!,  ¿No sé por qué hablan de crisis…?

 

Cine

La pequeña Suiza, Rollo cinematográfico.

La dirige un tal Kepa Sojo que ya hizo una anterior a esta, “El síndrome de Svensson” y esta la graba en  Arceniega.

 https://es.wikipedia.org/wiki/Arceniega

La sinopsis: En clave de comedia cuenta la historia de un pueblo, bajo administración castellana, que desea anexionarse a Euskadi y como le dicen que no, pide unirse a Suiza.

Lo mejor: El reparto: Maggie Civantos, Jon Plazaola, Ingrid García Jonsson, Secun De La Rosa, Enrique Villén, Ramón Barea. Entiéndase unos mejor que otros pero en lo general es lo mejorcito de la película que cuenta con algún que otro momento que te hace estar pendiente de la trama.

Cuando uno va al cine a ver una comedia lo primero que va pensando es que se va a reír y pasar un buen rato, pero es que la gente, si esa que paga y si no le gusta la película, no tiene  derecho a que le devuelvan el dinero, por eso sale del cine con cara de haber sufrido una operación…en la cartera.

No recomendada para ir a verla.

Blog, Cine, Televisión

Tipos de planos de cine y TV.

Los planos y sus efectos en la narrativa.

De mayor a menor detalle:

Primerísimo primer plano Un primer plano muy cerrado, un ojo o algo incluso microscópico.

 

Primerísimo plano Va desde la barbilla a la frente y es un primer plano muy cerrado.

Plano detalle Se centra en un objeto como un despertador o un bolígrafo.

Plano medio corto.- La figura humana se muestra desde el pecho a la cabeza.

 

Plano medio Muestra la figura humana cortada por la cintura.

Plano 3 / 4 o plano medio largo Se conoce también como americano, en donde se recorta la figura aproximadamente a la rodilla.

Plano entero Los límites superior e inferior en un cuadro van a casi coincidir con la cabeza y los pies de la figura humana.

Plano panorámico, gran plano general Es el que enseña un escenario grande. Allí los personajes no están o los diluye el entorno.

 

Teatro

Siete años, obra de teatro

7 años, la obra de teatro,  Versión y dirección de Daniel Veronese.

De qué va la obra:

Tres hombres y una mujer se reúnen en el loft que ocupan sus oficinas en el centro de Madrid, fuera de su horario laboral. No es un encuentro festivo y, aunque los cuatro son socios desde hace años, tampoco es un encuentro amistoso.

Sus peores temores se han cumplido, el fisco les ha pillado y es cuestión de horas que la policía entre en la empresa a detenerlos. Junto a ellos en la reunión se encuentra un mediador… ¿Por qué? ¿Qué hacer? ¿Quién asume la culpa? ¿Cuál es el precio de pasar casi una década entre rejas?.

Basada en la película del mismo nombre:

Una propuesta en formato thriller basado en la primera película que NETFLIX produjo en España (estrenada en 2016) y con el mismo nombre, que paso sin pena ni gloria no solo por el canal que se empleo (no mayoritario) sino por mas cosas que describo en la crítica de la película.

Escrita por José Cabeza, con Maite Pérez Astorga.

Ayudante de dirección e interpretada por Miguel Rellán Carmen Ruiz, Eloy Azorín, Juan Carlos Vellido y Daniel Pérez Prada.

Escenografía y Vestuario: Mónica Boromello, Iluminación: Juan Gómez Cornejo.

Critica:

Daniel Veronese por lo que haces se te conoce, diría un viejo refrán adaptado para este caso, y lo  que hace Veronese es sacar lustre a una historia que fue llevada a la pantalla para televisión, sacarla brillo y darle esplendor de obra maestra. Porque la ha convertido en una obra de una hora y veinte minutos en una obra entretenida, cercana, humana que te hace ponerte en el papel de los personajes, que te hace reír, y eso es disfrutar del teatro, porque en verdad Veronese ha sabido captar el verdadero alma que tiene esta obra y enseñarla en unas tablas con un decorado único con cinco actores que te hacen sentir y gozar. Obra perfectamente exportable a Broadway, en donde también triunfaría. Teatro lleno hasta el gallinero y el publico con una sonrisa mejor que las sardinas.

 

Blog

¿Cómo hacer un proyecto de televisión de éxito?

Premisas:

Visualizarlo en nuestra mente es el primer paso.

El siguiente es pasarlo a papel para que un Productor lo vea le guste y nos lo compre.

Desde el principio el Proyecto tiene que estar expresado de forma que quien lo lea le cautive y le impacte.

El titulo es muy importante pues es lo primero que va a decidir el que lo lea, si sigue o lo deja.

1-Elegir un titulo impactante que presente el programa, que sea una síntesis atractiva.

2-Registrarlo previamente y antes que alguien lo lea (incluyo a amigos y conocidos de confianza).

3-Desarrollar el proyecto pero no en su totalidad,  Si causa interés y obtienes garantías suficientes de que ha gustado tu puedes desarrollarlo con detalles, al fin y al cabo son los detalles los que distinguen un programa de otro.

+ Desarrollo breve para no aburrir a quien lo lee, máximo dos o tres hojas.

+Desarrollo lo más cercano a la realidad ( en su desarrollo definitivo que se puedan cambiar cosas pero las menos posibles.).

+Que contenga lo necesario para que quede perfectamente explicado.

+Que tenga una tipografía correcta en tamaño y diseño, porque de lo contrario puede ocasionar distracciones.

+ Presentar en una carpeta sobria, con párrafos cortos, con ideas claras y objetivos definidos. Si es necesario, el presupuesto debe estar especificado con el  valor de los productos o servicios…

Puntos que debe tener el proyecto 

1-Titulo o nombre del programa.

2-Sinopsis.

3-Número de capítulos (si es necesario).

4-Fecha y horario de transmisión (si aplica).

5-Duración (con número de cortes).

6-En vivo o grabado (con o sin público).

7-En estudio (propuesta de escenografía) o locación.

8-Género televisivo.

9-Número de conductores, reporteros, personajes y/o voz off y sus características generales (casting).

10-Objetivo del programa.

11-Público meta (público objetivo o target)

12-Referencias del programa y justificación de la propuesta.

13-Temas que se abordarán.

14-Secciones.

15-Invitados (si aplica).

16-Necesidades de producción (técnicas, financieras y humanas).

17-Calendario.

Se pueden incluir muñecos o monigotes (dummie ) que aclare y de visualización grafica al proyecto  o (un animatic que  es una forma de darle vida a los storyboards o sketchs)   https://youtu.be/thkjL14R5IU

Consejos:

  • Ver mucha televisión, para poder evaluar las tendencias, las necesidades en la programación de los canales más seguidos y para tener una imagen actual con lo que proponemos.
  • Ver el tipo de programación que tiene la televisora a la que queremos llevarle el proyecto, analizar sus contenidos, el tipo de público, para detectar sus necesidades en la barra de programación y su público.
  • Siempre debemos estar preparados para echarlo a andar o para llevar la propuesta a una nueva televisora, nunca desanimarse y creer en tu proyecto fiel y constantemente.

 

 

Actores, Blog

Stanislavski, El Método.

De cómo construir personajes e interpretarlos.

Actor y director de teatro Ruso que  pasó gran parte de su vida tratando de crear un sistema que ayudase a los actores a hacer la mejor interpretación posible, a conseguir una actuación realista para conseguir que el público los creyera. https://g.co/kgs/SLFwbr

Lee Strasberg un alumno suyo tuvo la buena idea de escribir todas las ideas que emanaban de su maestro, creo El Método y que es un compendio de técnicas que sirven a un aspirante a actor a meterse y desarrollar un personaje. https://g.co/kgs/KHAb5r

Las bases del Método;  De forma general tiene tres bases: la motivación, la observación y la memoria emocional.

1º. La Motivación.

Stanislavski pretende que los actores estudien a fondo cada acción del personaje. Somos personas y cada cosa que hacemos tiene un porqué (aunque este a veces no parezca visible). ¿Por qué ha dicho esa frase? ¿Por qué se ríe el personaje ahí? Quizás no aparezca claro en el texto, pero los actores tienen que conocer el “por que” su personaje actúa así.

2º. La observación.

El actor ruso estudia muchísimo el comportamiento humano para observar y analizar la conducta de una persona puede ser algo muy complejo porque conlleva desde acciones concretas, hasta preferencias generales, pasando por gustos, manías etc.  Buscando la razón de ese comportamiento, seremos capaces de volcar ese conocimiento en nuestros personajes, y crearlos con una personalidad compleja y desarrollada.

3º. Memoria emocionar.

Stanislavski aconsejaba a los actores que estudiaban su sistema usar sus propios recuerdos y sentimientos para mejorar su actuación.

Si tienes que representar una escena en la que se ha muerto un ser querido, tienes que evocar esos sentimientos. ¿Cómo? Recordando la muerte de un ser querido propio. Recordando la muerte de alguien a quien quieres, los sentimientos de no volver a verlo, de no poder hablarle de ni reír juntos ni tan siquiera discutir juntos… si consigue traer todo eso a tu memoria y revivirlo, será una actuación brillante y creíble. Estás sintiendo lo mismo que el personaje, te estás metiendo en el personaje en su piel. Conseguir esto no es fácil y todo aquel que lo consigue hace una actuación increíblemente buena creíble  y sentimental. Encontrar un recuerdo que sea similar a la vivencia de tu personaje y transfórmate en él para darle realismo a sus palabras y acciones, ese es el verdadero trabajo de un actor.

La línea roja que debe separar al personaje del actor.

Como actores se debe ser capaces de ponernos en el lugar de los personajes, de sentir sus motivaciones, sus deseos. Incluso cuando su personalidad y sus razones sean contrarias a las nuestras, deberemos ser capaces de justificar sus actos desde su punto de vista. Pero sin pasarnos. No debemos olvidar en ningún momento que hay una línea que separa al personaje del actor. Para interpretar a alguien con depresión debemos sentir lo que es la depresión, pero no deprimirnos, ¿se entiende?

 

El  que haría yo Sí….

 

Para ponernos en la piel del personaje hay una serie de preguntas que podemos hacernos y que, al responderlas, nos ayudarán a darle trasfondo y realismo. Preguntándonos a nosotros mismos ¿Qué haría yo si me encontrase en esta circunstancia? de esta forma se llega al estado de magia que consigue que el actor se transporte a esa situación y actuase en consecuencia.

 

Para comprender por completo a tu personaje deberías responder a estas preguntas: 

1¿Quién soy? Define a tu personaje, su estatus social, su sexo, su altura…

2 ¿Dónde y cuándo me encuentro? Localízalo espacialmente, localízate tú también.  No vas a actuar igual en la España de Carlos V atacada por alienígenas que en un mundo de Fantasía gobernado por Dragones.

3 ¿Qué es lo que quiero, cuál es mi meta? Tu personaje tiene una motivación (que a veces puede cambiar a lo largo de la historia) para hacer lo que hace. Es fundamental que la conozcas (aunque no la reveles).

4 ¿Por qué quiero eso? No te vale sólo que tu personaje quiera el trono del imperio galáctico. Tienes que entender sus motivaciones: ¿es el heredero? ¿Lo hace para vengar la muerte de su padre? ¿Por ambición? ¿Para evitar que las abejas mutantes suban al poder y destinen a la humanidad a trabajar en los grandes paneles de miel de la galaxia Ryeeneh?

5 Si me encuentro este obstáculo en mi camino hacia la meta, ¿cómo voy a sortearlo, cómo voy a reaccionar? El camino de tu personaje no va a ser fácil, las obreras están preparadas para sacrificarse por la colmena. ¿Qué pasará si matan al amor de tu vida de un aguijonazo?

 

6 Si yo estuviese ahí, si me enfrentase a esa situación/circunstancia, ¿qué haría/diría/pensaría?

 

Este es el Método de Stanislavski y Strasberg, pero hay muchos más.

Basado en el blog de  Rafael de la Rosa.

 

 

Blog

Fedra, de Paco Becerra

Adaptada y escrita por Paco Becerra y dirigida por Luis Luque

La reina de Creta, Fedra, Lolita Flores.

Fedra está enferma de un mal que ningún médico consigue identificar. El país se encuentra conmocionado por su estado de salud. Se dice que no come, no habla, no duerme. Hay quien comenta que se ha vuelto loca y quien asegura que padece por las largas ausencias de su marido, El Rey. Pero lo cierto es que Fedra sufre por una pasión que la atormenta desde hace tiempo, un deseo indómito, un erotismo inmoral, un deseo indecente.

El reparto; Lolita Flores en el papel de Fedra, Juan Fernández en el  papel del rey Teseo,   Críspulo Cabezas en el papel de Hipólito , Eneko Sagardoy en el papel de Acamante  y Tina Sáiz en el papel de Enone, la sirvienta de confianza de  Fedra
Teatro del Bosque de Móstoles, cartel de no hay entradas, público hasta el gallinero.  Un escenario minimalista con una puerta que quiere simbolizar el volcán  físico y también el que tiene Fedra en sus entrañas.  La adaptación realizada por Paco Becerra que la adapta a los nuevos tiempos, lo mismo que ha hecho Almudena Rodríguez Huertas, la responsable del vestuario,

Critica:

Lolita Flores, Se escribió de la madre; ” que ni sabia bailar ni cantar pero daba gusto verla” de su hija lolita  en esta obra ni actúa porque no la vi metida en el personaje ni ejerce de actriz, pero da gusto  verla moverse y retorcerse por el escenario como una gata en celo.  Decepciona ver a una Fedra interpretada por  Lolita con tanta desgana .

Tina Saiz, una artista demostrada que lo fue, esta sin fuelle sin alma sin espíritu, y no es la edad, son los quilos, sin ellos tendría otra fuerza interpretativa y el diafragma lo usaría mas y mejor.

Juan Fernández; excelente Rey Teseo interpretado como si en la opera estuviera, pero es que esta obra es de teatro.

Críspulo Cabezas; Con su renovada figura y que se pasa media obra luciendo torso desnudo es el actor que hace lo que debe, actuar, en su justa medida.

Eneko Sagardoy, también muy comedido y correcto en su papel embutido en su cosaca dando todo y ganándose el  pan honestamente, no como hacen algunos de sus compañeros.

Mi recomendación si tienen la oportunidad es de que vean mejor o revisen de nuevo la película del “El graduado”:

Es una película basada en Fedra y una adaptación magnifica, cosa que esta obra  no lo tiene.

El público aun así aplaude  hasta los tres bises que los actores recogen con prontitud pues hasta en eso se les veía las desganas.

 

 

Televisión

Historia de la Televisión

Historia de la Television en el Mundo

El escocés John Baird llevó a cabo sus primeras pruebas para transmitir imágenes a distancia a mediados de los años veinte del siglo pasado. Realizó una exhibición en su taller el 27 de enero de.  Tres años después, en 1929, la BBC comenzó a interesarse por el invento de Baird.  en Estados Unidos, el ingeniero Vladimir Zworykin diseñó el tubo de rayos catódicos para reproducir las imágenes en un aparato que llamó ‘Cinescopio’.  Esta tecnología permitió fabricar en serie los aparatos de televisión.  Fue durante los años treinta que se produjo la primera expansión de la televisión en EE.UU. y en Europa.  En Alemania, las primeras retransmisiones tuvieron lugar en 1936, con ocasión de las Olimpiadas de Berlín. En Francia comenzó a funcionar de forma experimental ‘Paris Televisión’.  Ya en 1951 se realizó la primera retransmisión de una costa a otra de los Estados Unidos, entre Nueva York y San Francisco. En Europa nace en julio de 1953 Eurovisión, con la transmisión de la ceremonia de coronación de la Reina Isabel II de Inglaterra.

Historia de la Televisión en España

En 1932 un ingeniero y deportista barcelonés, Vicente Guiñau, instaló en su casa un aparato receptor que había adquirido en Inglaterra. Con él hizo diversas pruebas de transmisión, hasta el punto de fallecer a causa de una explosión mientras efectuaba los ensayos en su taller.  En el otoño de 1934, el público asistió a una demostración de televisión en la Sala Werner de Barcelona. El promotor de esta iniciativa fue el primer licenciado en Telecomunicaciones en España;  Joaquín Sánchez Cordobés.  Las siguientes pruebas fueron realizadas por la empresa holandesa Phillips en la Feria de Muestras de 1948.  El 10 de junio de aquel año, y ante numeroso público, los técnicos holandeses colocaron en su stand varios televisores que transmitían imágenes recogidas en un plató situado a unos doscientos metros de allí, donde actuaban artistas y cantantes de la época, como Joyita Rifé, o la orquesta de Casas Auge.  La experiencia ese mismo año, con la retransmisión de una corrida de toros desde la plaza de Vista Alegre, utilizando la misma emisora que en Barcelona.

En 1949 se hicieron nuevos ensayos y en 1951 se crea el primer equipo técnico y de programación, con el mismo Sánchez Cordobés, José Luis Colina cono director de programas, y Laura Valenzuela como locutora, a la que pronto acompañarían David Cubado y Jesús Álvarez. El cámara era Cabañillas, y el realizador José Lombardía.

El periodo de pruebas se mantuvo hasta el otoño de 1956. En ese momento, se estima que en España existían unos 600 aparatos receptores.

Extractado del blog de PABLO BECEIRO

http://www.rtve.es/rtve/20170302/inicios-television-espana/1497361.shtml